В воскресенье было Благовещение, все делились любимыми интерпретациями сюжета, и я не останусь в стороне. Несмотря на всю мою любовь к Тинторетто, вынуждена признать, что для меня самыми потрясающими оказались работы Тициана. В этой связи на фото представлены: 1. Annunciazione в церкви San Salvador, Венеция; 2. Annunciazione в Scuola Grande di San Rocco, также Венеция. Мадонна Сан Сальвадора в реальности очень тёмная, завернутая в уже совершенно неземную игру света и тени, что связывают с болезнью глаз мастера, развившейся на склоне лет, но кто знает, может, он, наоборот, стал видеть больше.
PS. Натурные фото мои, а за подробными фото работ пришлось обратиться к Интернету.
В прошлый раз мы говорили о том, что такое классическое искусство, и чем оно отличается от «обычного».
Ни греки, ни римляне вовсе не считали себя «классиками» – то есть «образцовыми». Так их стали называть в Италии XIV века. Именно тогда на древнегреческое и древнеримское искусство стали равняться, как на высший образец мастерства. В истории европейского искусства этот период называется Эпохой Возрождения.
Многие думают, что Эпоха Возрождения – это время, когда «мрачное средневековье» сменилось другой жизнью – более мирной, изящной, красивой, «светлой». Ничуть не бывало!
XIV–XV века в Европе были точно таким же суровым средневековьем. Люди так же воевали, интриговали, страдали от эпидемий, притесняли и обманывали друг друга, как и двести-триста лет назад. Этот период в итальянской истории был таким же жестоким и коварным! (Да вот хоть на сломанный нос Микеланджело посмотрите!)
Джакопино дель Конте. Портрет Микеланджело Буанаротти (1545 г.)
Почему же это время называют Эпохой Возрождения?
А дело вот в чём. В третьем–четвёртом веках нашей эры в Европе существовала высокоразвитая цивилизация. Многоэтажные дома с водопроводом, роскошные дворцы и храмы, а уж искусство было таким, что и сегодня мало кто сравнится с древнегреческими и древнеримскими мастерами!
Римский Форум (центральная площадь)
Древнеримские скульптурные портреты. Хотели бы, чтобы вас так изобразил художник?
Но в пятом, шестом веках эта жизнь стала меняться. Италию заселяли «варвары» (как бы мы сегодня сказали, «мигранты»). В основном, это были северные германские племена. У этих людей были другие привычки и потребности, другой образ жизни.
Шёлковые туники красавиц изорвались и выцвели, поэты переквалифицировались в пастухи. Наступили «тёмные века». Или, как бы мы сказали сегодня, «новый мировой порядок».
Посмотрите, как изменилось искусство раннего средневековья по сравнению с древнеримским, и вы поймёте, как изменились люди, как изменилась жизнь:
Искусство раннего средневековья – так называемый «романский стиль». «Романский» означает римский. Но разве это похоже на искусство Древнего Рима? (3 фото)
Так продолжалось ни много ни мало тысячу лет. И вот вдруг люди в Италии вспомнили, что когда-то у них была великая эпоха, великая империя…
А почему они вдруг вспомнили? Уф-ф, это отдельная история. Постараемся в двух словах…
Дело в том, что в четвёртом веке Древний Рим распался на две половины: Западную Римскую империю и Восточную Римскую империю.
Западная очень быстро распалась (это именно там «туники выцвели»). А Восточная Римская империя под именем Византия просуществовала тысячу лет! Там, в Византии, сохранилась и цивилизация Древнего Рима, хотя за тысячу лет тоже изменилась, конечно, – под воздействием соседних культур: иранской, арабской, армянской и других.
Западная и Восточная Римские империи на карте
Но начиная с XIV века жить в Византии становилось всё труднее и опаснее – ей угрожали турки-османы. (В конце концов они захватили Византию в 1453 году; теперь бывшая византийская столица Константинополь – это турецкий город Стамбул.) Учёные и художники постепенно перебирались из Византии в Италию. Вот под их влиянием итальянцы и «вспомнили», что они наследники великого Рима!
Люди стали думать: «Когда-то у нас было великое государство, и мы были великим народом. Хотим это возродить!»
Но, чтобы воссоздать великое государство, надо было объединиться, а европейские правители объединяться не собирались – каждый хотел сам всем владеть и править (да ещё соседние владения захватить), вот и получилось, что Возрождение состоялось только в искусстве.
Возникла мода не всё античное – то есть древнегреческое и древнеримское. Художники начали старательно подражать античным живописи и скульптуре, поэты – переписывать античные сюжеты, а когда взялись «возрождать» античный театр, произошла прелюбопытная история!
Люди знали, что в античном театре монологи и диалоги актёров чередовались с хоровым пением. Как это звучало и выглядело, они не знали. И когда попытались воссоздать античные спектакли «по воображению», у них получилась… опера! Монологи стали ариями, диалоги – дуэтами.
В общем, как всё это происходило, вы можете сами прочитать в интернете – поищите статьи по запросу «Флорентийская камерата»!
В следующий раз поговорим о великих и малых «голландцах».
Мы постарались сделать каждый город, с которого начинается еженедельный заед в нашей новой игре, по-настоящему уникальным. Оценить можно на странице совместной игры Torero и Пикабу.
548 лет назад на свет появился будущий гениальный итальянский скульптор, живописец, поэт эпохи Возрождения Микеланджело ди Лодовико ди Леонардо ди Буонарроти Симони (1475-1564). История долгой и непростой жизни этого Мастера прекрасно известна, и у меня были посты на эту тему, так что не буду повторяться. А уж если вы читали книгу Ирвинга Стоуна "Муки и радости", то вы и вовсе счастливчики! Просто предлагаю в честь сегодняшнего новорожденного окунуться в искусство эпохи Возрождения, одним из столпов которого был Микеланджело Буонарроти, вместе с фильмом из 24-серийного цикла "Эрмитаж" о коллекции итальянского искусства XIV - XVI веков. Вступительное слово директора Государственного Эрмитажа, действительного члена Академии наук СССР Бориса Пиотровского.
1980. Источник: канал на YouTube «Советское телевидение. Гостелерадиофонд России», www.youtube.com/c/gtrftv
Вообще в старом искусстве было так - хочешь рисовать психоделику, рисуешь искушение Святого Антония. Потому что это история буквально про галлюцинации.
(в два слова буквально - Святой Антоний - это такой первый христианский аскет, раздавший все свое имущество бедным и ушедший жить в пустыню, где ему от информационной депривации периодически являлись черти. Сюжет рисовали все кому не лень, включая вполне современных художников вроде Дали. Два основных направления в сюжете - либо разная стремная хтонь, либо эротика)
Давид Тенирс Младший - один из наиболее значимых художников фламандской школы 17 века - был буквально одержим искушением Святого Антония. Он в принципе был очень плодовитым живописцем, и одних только картин с искушением у него не меньше десятка. Они очень похожи... и все-таки не совсем. Выглядят они так, будто кого-то упорно преследует один и тот же неприятный сон. Некоторые из них отличаются буквально строением пещеры и положением двух ведьм - да, там всегда есть две ведьмы, одна помоложе и покрасивше, другая старая и с рогами. Вот, сравните первую картину с другой его же кисти. Найди десять отличий.
Мне ужасно нравится два аспекта. Первый - это осовременивание. Если вы приглядитесь, то вы увидите, что и ведьмы, и зачастую Антоний одеты по современной художнику моде, также встречаются современные предметы, прически и тому подобное. Это не новшество - в голландской и фламандской живописи частенько религиозные сюжеты переносили в современность, одевали мадонну по последней моде, добавляли явных анахронизмов, и делали это абсолютно умышленно - религиозный сюжет становился ближе зрителю и выразительнее. А Тенирс еще и был широко известен за жанровую живопись.
Второй - то как в эту современность и реалистичность встроена хтонь. Здесь это работает точно также - галлюцинации выглядят чудовищно реалистичными. Вымышленные монстры вроде симпатичного лошадиного черепа в плаще сочетаются с совершенно натуралистичными лягушками и крысами верхом на рыбах, летучими мышами и змеями. Сон неотличим от реальности, а черт неотличим от божьей твари, и чем больше смотришь на любую из картин, тем неправильнее она кажется.
Вот эта картина вообще на первый взгляд напоминает жанровую сцену на рынке, но каждая новая замеченная деталь пугающе не встраивается в это впечатление, и, таким образом, на некоторое время мы и сами чувствуем смущение и оторопь Святого Антония.
И самое пугающее - когда начинаешь размышлять, почему художник так упорно выводил одни и те же образы на разных картинах, самым логичным объяснением видится то, что чем-то Тенирс был близок изображаемому им Антонию, и что химеры, раз за разом возникавшие из-под его руки, преследовали его самого.
Зима, скоро Новый год (надеюсь, моя лодка готова), надо бы что-то культовое и зимнее. И тут я с удивлением заметил, что мы до сих пор не обсудили «Охотники на снегу» Питера Брейгеля. Ну, собственно, поехали!
Картина удивительная. И довольно манипулятивная: как правило, вы сперва посмотрите в левый нижний угол и продолжите осматривать по диагонали в правый верхний угол. Все хорошо, так Брейгель рассказывает историю-зарисовку выдуманной голландской деревни суровой зимой 1565 года.
Уставшие и подзадолбанные охотники возвращаются домой. Охота прошла неудачно, поймали одну лису на всех, увы и ах. А деревенька живет своей жизнью: сзади охотников мы видим, как семья готовится коптить свинью (а значит на картине декабрь-январь, до этого момента зверюшек откармливали), а уж сколько всего там, вдали от наших неудачных товарищей.
Уставшие охотники, стая подмерзших собак и семья на заднем фоне:
Эта же семейка уже ближе, а сверху вывеска Dit is inden Hert («У оленя»), на ней олень и великомученик Евстафий Плакида или святой Губерт, оба были покровителями охотников:
Прежде всего удивляют события на льду. Там играют в керлинг. И хоккей. В 16 веке. Чего?
На самом деле Брейгель изобразил старинную игру «кольф», это прародитель гольфа, игрался на льду: клюшкой гоняешь мяч в ямку, ничего сложного. А вторая игра называется «айсшток», предок керлинга, здесь перепутать сложно.
Вот такое зимнее веселье, прям как у нас на катке:
Еще одна интересная деталька – пожар совсем далеко от нашего пригорка. Брейгель добавил жизни и событий, разнообразил скучный фон.
А справа у нас горы – выдуманные, в Голландии таких нет, скорее всего срисовал с Альп во время своих путешествий. Ну серьезно, замок в скале рядом с голландской деревней?
И еще важная вещь, которую художник достигает с помощью ландшафта – это холмы с деревьями, которые создают вторую диагональ на картине, из нижнего правого края в верхний левый. Сделано это для глубины и объема, Возрождение уже пришло окончательно, никаких плоских икон.
И да, это мало того пейзаж (без христианских сюжетов), так еще и крестьяне на картине. Это было настолько редко для картин тех времен, что Брейгеля прозвали «Мужицким», он часто рисовал простых мужиков.
Вот примерно такие диагонали получаются, строго не судите, не художник:
Полотно входит в цикл «Времена года», состоящий по разным оценкам из 6 или 12 картин. До нас дошли только 5, поэтому ху ноуз. Весь цикл был заказан местным богачом, который задолжал казначейству и отдал в качестве залога все картины цикла. В закрытых залах казначейства они и пылились, Брейгель больше своей работы не видел.
Вот такой портрет своего мира, пейзаж истории изобразил Питер Брейгель Старший (это важно, его сыновья Питер и Ян тоже были художниками, как и внуки, как и правнук). Какая все же техника, как тонко он выписывает даже самые мелкие и ненужные детали.
Найдете этого стрелка по птицам на картине?
И только маленький вопрос – а почему нет теней на картине?
При создании будущего шедевра Рафаэль сразу пошел своим путем – помимо отказа от написания на доске (использовал холст, как подобает серьезному гению), он использовал несколько интересных решений.
Рафаэль Санти – «Сикстинская мадонна», 1513-1514
Мадонна тут не изображена прям святой, это ощущение строится на контексте. Нимб еле заметен, она не смотрит на маленького Иисуса (как в большинстве картин с таким сюжетом), а держит зрительный контакт с нами. Добавляет доверия и вовлекает в само действие.
При этом она находится в движении и как будто идет к зрителю с полотна. Ощущается ее легкая походка – удачное изображение ног на облаке создает впечатление ее невесомости.
При этом Рафаэль не стал наряжать Мадонну в дорогие одежды, да и держит ребенка она на манер крестьянок того времени. Но встречают ее как царицу, и так удачно получается контраст – Мадонна на полотне скромная, живая и духовно возвышенная.
Ее сопровождают святые Сикст и Варвара. Кстати, у Сикста часто насчитывают 6 пальцев (с латыни его имя переводится как шесть, отсылочка), но все вранье – это внутренняя часть ладони, расходимся))
Всего 5 пальцев, как бы ни хотелось:
Еще одна интересная деталька – задний фон частично состоит из лиц ангелов (или неродившихся душ?). Признаюсь, заметил я это не сразу.
Внизу картины скучают два ангела. Они еще не в курсе, что хитрые маркетологи будут использовать их во всевозможных вариациях для рекламы чего угодно (впервые их засунули в рекламу фабрика по переработке свиного жира, о как).
Забавные ангелочки, скучающие внизу картины, еще не знают, сколько товаров они помогут продать:
До середины 18 века про картину особо никто и не знал: по легенде, Рафаэль создавал свой шедевр по заказу папы Юлия II для Собора святого Петра, причем картина должна была висеть над гробом предыдущего папы, Сикста IV. Но поставить в алтарь картину не позволяли католические каноны, поэтому Мадонну сослали в Пьяченцу, где она радовала глаз малочисленной публики почти 250 лет. Другая версия говорит, что заказ был сразу предназначен для Пьяченцы в честь победы над французами и возвращения своих земель. В любом случае, «Сикстинская мадонна» прозябала в провинции.
Но в 1754 году картину приобрела галерея в Дрездене, и пошло-поехало. Причем законодателями мод стали русские туристы – они часто начинали свой вояж по Европе как раз таки с Дрездена, и слава о великолепной картине пошла как раз от них.
В России полотно стало культовым. Про него писали Жуковский, Достоевский, Карамзин и Белинский (неполный список), его критиковал Толстой и посвящал свои строчки Пушкин (при этом он никогда не видел оригинал!).
Что бы сказал Пушкин, если бы увидел этот креатив маркетологов 19 века:
В духе времени:
Ээээ, без комментариев:
И Александра Сергеевича можно понять – картина действительно великая, не смотря на растиражированный образ и выцветшие краски.