Жду новый пост

Серия «Искусство»

Великий философ Гегель говорил, что исторические события случаются дважды: первый раз как трагедия, а второй – как фарс.

Фарс – это легкомысленная комедия. Гегель имел в виду, что великое повторить невозможно. Можно создать что-то другое великое – но если попытаешься повторить то, что уже было, получится пародия…

Камешки и ракушки

Слово «рококо» произошло от французского слова «рокайль», что значит «каменный», «скальный» (одно из значений – «дроблёный камень», другое – «морская раковина»). «Рококо» – слово выдуманное и шуточное, с пренебрежительным оттенком, ну, примерно как «ка-ме-мешки». Или, точнее, «ка-ми-ми-шки», а почему «ми-ми», скоро будет понятно.

Почему именно камень лёг в основу названия этого стиля, появившегося в начале XVIII века, сейчас уже трудно сказать. История эта очень запутанная. Может быть, потому что в этом стиле оформляли искусственные гроты в парках?

Но вообще, в латинском языке было слово–«аркео» – «запираю». От него произошло слово «арка», значение которого в латинском языке – «ящик, склеп». (А в русском языке есть слово «рака»  – так в православных храмах называется ящик с мощами святого).

А теперь смотрите: что делает морская раковина – ракушка? Именно «запирает» моллюска!

Может быть, поэтому, когда возникла мода на архитектурные украшения в виде морских раковин, этот стиль стали называть рококо…

Кстати, если помните, словом «барокко» сначала называли жемчужины неправильной формы! А жемчужины ведь добывают откуда? Тоже из раковин!

Как знать, вдруг это размышление поможет потом всю эту запутанную историю распутать…

Рокайль и картуш

Украшение в виде морской раковины – «рокáйль» – стало одним из отличительных признаков нового стиля. А второй признак – это «карту́ш», причудливая лепная рама, внутри которой можно что-то нарисовать, или разместить герб владельца дома, или оставить пустой – всё равно красиво.

Картуш и рокайль использовались и в архитектуре барокко, но там выглядели по-другому: не так причудливо, «потяжелее» и посолиднее:

Вообще, стиль рококо по сравнению со стилем барокко более лёгкий, тонкий, ажурный. Для архитектуры и интерьеров это неплохо. А вот для живописи… С живописью всё по-другому!

Стиль барокко подарил мировому искусству многих гениев живописи, мы говорили об этом в прошлый раз. А вот о «гениях рококо» говорить не приходится. Их просто нет! Есть «мастера рококо» – художники замечательные, яркие, запоминающиеся… но не гении.

Почему?

Гении и не гении

Всё очень просто: художников рококо подвело время.

В истории бывают эпохи бурные, героические, когда происходит развитие человеческой цивилизации, изменение общественного сознания, накопление новых знаний и опыта. Такие эпохи требуют от людей напряжения всех сил и нередко сопровождаются революциями и войнами. Именно таким временем была эпоха барокко – конец XVI века и XVII век. Помните: революционные научные открытия, великие географические открытия, религиозные войны…

А бывают эпохи «мирные» – когда человечество «отдыхает», не накапливает новый опыт и знания, а «проедает» старые. (А если и воюют – то не за убеждения, а за «кусок пожирнее».) Таким был для Франции, где возник и развился стиль рококо, XVIII век. (Ну, правда не весь: в 1789 году грянула Великая Французская революция – «мирное время» закончилось.)

В это время людям не хотелось совершать открытий и стремиться в будущее, ведь для этого нужно чем-то жертвовать – комфортом, например. Им хотелось строить красивые дома, украшать их затейливой мебелью и вешать на стены картины. Тоже красивые. Картины для украшения – а не для того, чтобы о чём-то задуматься или испытать сильные, глубокие чувства…

Понимаете теперь, почему гениев из прекрасных художников эпохи рококо не получилось? Не было «общественного запроса» на гениев!

В самом деле: не будешь же украшать спальню или столовую серьёзной картиной с религиозным или батальным (от «баталия» – битва) сюжетом: аппетит испортится, мысли ненужные в голову полезут! Вот и писали художники любовные сценки, цветочки, детишек да милых зверушек. То что мы сегодня называем словечком «ми-ми-ми».

Тем не менее, и такое «лёгкое» искусство пережило своё время и стало классикой. Ведь любителей «ми-ми-ми» в каждую эпоху достаточно. Да и отдыхать от великих мыслей и великих поступков людям надо периодически. Главное, чтобы этот отдых чересчур не затягивался…

Эпоха рококо была недолгой – меньше столетия. Великая Французская революция и последовавшие за ней наполеоновские войны смели сытую и спокойную жизнь французской знати, а заодно и искусство, предназначенное для украшения этой жизни. На смену стилю рококо в архитектуре и дизайне пришёл «имперский» стиль ампир, а в «серьёзном, большом» искусстве – классицизм, о котором мы расскажем в следующем номере.

Разгадка раковины

А теперь вспомним, что слово «барокко» произошло от португальского и итальянского названия редкой жемчужины неправильной формы, а слово «рококо» – от французского названия пустой морской раковины, «скорлупы» использовавшейся для украшения парковых гротов.

Жемчужины созревают в раковинах, но какова цена пустой раковины Можно сказать: «Это ерунда, мусор». А можно вспомнить, с каким удовольствием дети (да и взрослые тоже) собирают эти самые раковины на морском берегу, как радуются…

Значит, всё-таки не мусор? Как думаете?

Предыдущие выпуски:

"Что такое классическое искусство?"

"Что такое Эпоха Возрождения"?

"Про голландцев больших и малых"

"Что такое барокко"?

Бесплатно скачать и полистать номера журнала "Лучик" можно по ссылке: https://lychik-school.ru/archive/

Многие считают, что современные художники рисуют всякую белиберду, потому что рисовать не умеют. Так это или не так? Иногда так. Но чаще всего – нет. Посмотрите на эти работы Пабло Пикассо. Умел ли он рисовать?

Карандашный рисунок мужского торса Пабло выполнил, когда ему было 12 лет. Рисунок подписан «P. Ruis», именно так звали Пикассо в детстве – Пабло Руис. Потом он взял фамилию своей матери – Пикассо, чтобы его не путали с отцом, тоже художником (он на рисунке справа, это тоже авторство Пикассо–подростка).

Картину «Первое причастие» (на которой девочка в белом платье с молитвенником в руках стоит на коленях) юный Пабло написал, когда ему было всего четырнадцать. Почему же он потом «разучился»?

Ответ на этот вопрос содержится в высказывании Пикассо: «Я умею рисовать, как Рафаэль, но мне понадобится вся жизнь, чтобы научиться рисовать, как ребёнок»…

• Полистать номера журнала "Лучик" можно здесь: https://www.lychik-school.ru/archive/
  

Иван Кузьмич Макаров и родился в 1822 году. Обучался в Санкт-Петербургской императорской Академии художеств, став впоследствии одним из самых популярных портретистов столицы. Художественное наследие Макарова включает более двух сотен портретов.

Пушкиниана заняла особое место в творчестве художника. Вот перед нами внучки Натальи Николаевны Пушкиной-Ланской (вдовы Пушкина, вышедшей замуж после его смерти за Петра Петровича Ланского): шестилетняя Лиза и четырёхлетняя Наташа.

Портрет с секретом. Когда он только что был закончен, и краска ещё не успела высохнуть, одна из героинь полотна коснулась его ручкой. Живописец оставил отпечаток. Он виден в правом углу портрета.

А вот портрет Анны Алексеевны Олениной, к которой Пушкин сватался, но получил отказ, и впоследствии написал знаменитое: «Я вас любил…».

Наталью Николаевну Гончарову (Пушкину-Ланскую) живописец изображал не единожды. Первый портрет был создан летом 1849 года совсем ещё молодым художником:

Сама Наталья Николаевна отзывалась о полотне так: «...Это один из лучших моих портретов... я изображена такой красивой женщиной, что мне даже совестно согласиться, что портрет похож».

Летом 1849 года второй супруг Натальи Николаевны генерал-майор Пётр Петрович Ланской вместе со своим полком квартировал в Лифляндии. Она не могла приехать на именины мужа, не имея возможности оставить семерых детей. И сначала решила послать ему свою фотографию (дагерротип), однако он показался ей неудачными.

Поэтому Наталья Николаевна обратилась к Макарову, работавшему над портретами её детей, с просьбой исправить дагерротип. Художник предложил написать её портрет маслом, так как, по его словам, «уловил характер» лица Натальи Николаевны

Автор не взял платы и просил принять работу в подарок в знак своего уважения к Наталье Николаевне и её мужу, П.П. Ланскому.

Как вы думаете, что не понравилось Наталье Николаевне в фотопортрете и почему она предпочла ему портрет живописный, который, на первый взгляд, ничем от фотографии не отличается?

Остальные фото Натальи Николаевны будут ниже, в конце этой публикации. А пока вот портрет старшей дочери Натальи Николаевны и Александра Сергеевича – Марии Александровны Пушкиной (в замужестве Гартунг).

Мария Александровна, была единственной из детей, кто помнил отца, – на момент его смерти ей было пять с половиной лет. Она часто приходила к открывшемуся в Москве в 1880 году памятнику отца и часами просиживала у него. Поэт Николай Доризо посвятил ей такие строки:

Во всей России знать лишь ей одной,
Ей, одинокой седенькой старухе,
Как были ласковы и горячи порой
Вот эти пушкинские бронзовые руки.

Мария Александровна была замужем за управляющим Императорскими конными заводами в Туле Л.Н. Гарутнгом. В Туле с нею познакомился Лев Толстой, придавший её внешние черты Анне Карениной.

А это портрет младшей дочери поэта, Натальи. Её судьба сложилась драматично...

Признанная красавица, «прекрасная дочь прекрасной матери», в семнадцать лет приняла предложение М.Л. Дубельта, славившегося вспыльчивым и неукротимым нравом. Муж устраивал ей сцены ревности и жестоко избивал – топтал ногами со словами «вот что стоит для меня твоя красота». На теле Н.А. на всю жизнь остались шрамы от его шпор.

После развода (инициированного Дубельтом) повторно вышла замуж за прусского принца Николая Вильгельма Нассауского. Впервые (с помощью И.С. Тургенева) опубликовала письма А.С. Пушкина к жене, переданные ей матерью. Современники встретили публикацию писем враждебно.

А вот портрет Григория Александровича Пушкина. Окончив вместе с братом Пажеский корпус, вышел в отставку через тринадацать лет службы в чине подполковника и поселился в Михайловском, посвятив себя восстановлению отцовского имения.

Это именно его кабинет (а не Александра Сергеевича) в изобразил художник Н.Н. Ге на картине "Пущин у Пушкина в Михайловском":

Как ни странно, нашлось место в галерее макаровской Пушкинианы и злому гению, гонителю поэта, Идалии Полетике.

Идалия (Идалия-Мария) Григорьевна Полетика, урождённая Обортей, внебрачная дочь графа Г.А. Строганова, была известна в обществе как очень умная женщина, но с весьма злым языком. При бракосочетании Е.Н. Гончаровой (сестры Натальи Николаевны Пушкиной) с Жоржем Дантесом была поручительницей (сегодня мы говорим – «свидетельницей») со стороны невесты.

Есть мнение, что именно Полетика была автором интриги, приведшей Пушкина к смертельной дуэли. Во-первых, это она устроила «свидание» жены Пушкина с Дантесом: пригласила Наталью Николаевну к себе, а сама уехала, оставив их таким образом наедине. Во-вторых, она же, по мнению пушкиниста Вадима Старка, была автором «анонимного пасквиля, который дал толчок всей той ситуации, которая, в конечном итоге, закончилась гибелью Пушкина».

После дуэли и смерти Пушкина заняла активную позицию в стане его врагов и хулителей. До глубокой старости ненавидела всё, что связано с именем и памятью поэта, говорила, что её оскорбляет воздвигаемая в Одессе статуя Пушкина и что она намерена поехать и плюнуть на неё. Причины этой ненависти – неизвестны.

Ну что ж... Заказчик заказывает – художник пишет. «Такая работа».

Умер Иван Кузьмич Макаров, не дожив трёх лет до двадцатого века, в Санкт-Петербурге, 9 апреля 1897 года.

Ну, и ещё несколько фотографий Н.Н. Пушкиной-Ланской (ведь в заголовке "фотографии" во множественном числе). Вот, на наш взгляд, очень удачная:

И вот ещё:

В следующий раз расскажем:

«Атлет, скандалист, самодур, легендарная личность...»
Самый необычный и самый забытый выдающийся художник Пушкинской поры, автор этого известного карандашного портрета младшего брата А.С. Пушкина Лёвушки:

Канал "Лучика" в "Телеграм": https://t.me/luchik_magazine
Страница "Лучика" "ВКонтакте": https://vk.com/lychik_magazine

Бесплатно скачать и полистать номера журнала можно здесь: https://www.lychik-school.ru/archive/

В прошлый раз мы говорили о том, как возникло искусство эпохи Возрождения. Продолжаем разговор.

Итак, итальянские художники увлеклись далёким прошлым своей страны и стали подражать искусству Древнего Рима. В результате получилось как в поговорке: «Новое – это хорошо забытое старое». Это было в XV–XVI веках… А что было потом?

А потом Средневековье закончилось. Началась эпоха, которую принято называть Новое время. И сознание людей тоже изменилось… Почему?

Средневековая жизнь была устроена по схеме «замок и деревня». В замке сидит феодал – хозяин всех окрестных земель. Крестьяне работают на его землях и платят ему налоги – кормят и себя, и феодала, а феодал их защищает и следит за порядком.

Крестьянский труд – основа благосостояния общества, но крестьяне вовсе не главные! Главный – не тот, кто производит продукт, а тот, кто способен этот самый продукт сохранить, защитить. Ну, или присвоить… В общем, человек с мечом, воин.

Хозяйство монастырей точно так же опиралось на крестьянский труд – и на протяжении всего Средневековья между императорами и римскими папами постоянно шла борьба за власть, решался вопрос, кто главнее.

Культура Средневековья – это была «культура замка и монастыря». Никому из художников Возрождения не приходило в голову изображать крестьян или торговцев (ну, разве только о-очень зажиточных, если портрет закажут). Художники изображали либо религиозные сюжеты («культура монастыря»), либо исторические («культура замка») – ведь феодалам интересны герои и войны, а не всякая там скучная мирная жизнь…

Как всё стало меняться

Крестьяне могли прокормить феодалов и богатых церковников, но не могли обеспечить их быт. Ведь тем хотелось «красивой жизни», а украшения, дорогую одежду, качественное оружие не может производить крестьянин, и без того по горло занятый обработкой земли. Тут нужны специальные люди – ремесленники.

Ремесленники землю не обрабатывают – поэтому им удобнее жить в городах. А города в средневековую схему «замок, монастырь, деревня» не вписывались!

Труд ремесленника дороже, чем труд крестьянина, ведь ремеслу надо дольше учиться. (Кстати, художники тоже считались ремесленниками, изготавливающими «предметы роскоши» – картины.) Вещи, которые они изготавливали, стоили не просто дорого, а очень дорого, немыслимо дорого! И при этом горожане-ремесленники не платили налог феодалу, как крестьяне, наоборот, им за их услуги платил сам феодал!

В результате города стали богатеть быстрее феодалов. Ну и, разумеется, им захотелось независимости!

Тем более, что и защищаться от врагов они могли сами, без феодала. Ремесленные цеха были настолько богаты, что могли вооружить и обучить ополчение или нанять профессиональных солдат-наёмников.

Больше всего независимости хотелось жителям Фландрии – так называлась та область Европы, где сейчас располагаются государства Бельгия и Нидерланды (Голландия). Все земли во Фландрии принадлежали испанскому королю (таковы причуды средневековой политики), а общей границы у Фландрии и Испании нет и не было – ведь между ними расположена Франция.

Жители Фландрии недоумевали: с какой стати мы должны подчиняться далёким и не похожим на нас испанцам? Да кто они такие, эти испанцы? В результате началась та самая Нидерландская буржуазная революция (от французского «bourgeois», то есть «буржуа» – горожанин), которую проходят в школе в седьмом классе. Именно её историки считают концом Средневековья и началом Нового времени.

Как изменилось сознание

Разумеется, у жителей Нидерландов (так борющиеся за независимость голландцы стали называть свою страну) никакой «культуры замка и монастыря» не было. Они не почитали своего феодала (это испанского короля-то? Ещё чего!), а церковников у них просто не было. (Голландцы были христианами-протестантами: не признавали церковных таинств, не соблюдали обрядов, и вместо священников у них были пасторы – начальники христианских общин, которых голландцы сами выбирали и назначали.) Главными голландские крестьяне и ремесленники считали себя.

«Мы производители материальных ценностей! Материальные ценности – это сытость, тепло, уют, а что ещё человеку нужно в жизни? Ничего не нужно – если только он не дурак и фантазёр, а человек серьёзный, конечно…»

Ну, правда, учёных голландцы тоже уважали – если считали их полезными. Например, без географов и астрономов невозможно мореходство, а без мореходства невозможна торговля, без флота невозможна война с Испанией! Математики тоже нужны – они производят расчёты, необходимые в строительстве и ремёслах. А вот всякие философы…

«Этого добра нам не надо!»

Такое «приземлённое» мировоззрение сильно подвело голландцев в дальнейшем. Философы создают «образ будущего», жить без философии – это как жить без мечты. Вот почему Нидерланды очень быстро уступили роль ведущей европейской державы Нового времени другим странам: Франции, Британии и Германии. (Уж там-то философов ещё как уважали!)

Как изменилось искусство

Посмотрите на две очень похожих картины голландских художников: «Женщина, взвешивающая золото» Питера де Хоха и «Женщина с весами» Яна Вермеера. Какая вам больше нравится?

Кто-то скажет: «Женщина, взвешивающая золото». Она такая… нарядная, необычная!

Действительно, необычная. Чем-то даже напоминает картины итальянских мастеров Возрождения – например, «Мадонну» Фра Филиппо Липпе. Но с точки зрения голландцев, именно этого и не нужно!

«Целая комната отделана золотом – зачем? Это расточительно, непрактично! То ли дело у Вермеера – скромненько и со вкусом!»

Яркой красоте, которая ценилась в живописи Возрождения (ведь эта живопись служила для украшения храмов или дворцов), они предпочитали красоту неброскую, скромную – «домашнюю».

Голландцы рассуждали не как феодалы – люди, любящие похвастать богатством, но совершенно не бережливые («А что беречь? Завтра новое завоюем!»), а как ремесленники и торговцы, богатеющие упорным каждодневным трудом. И если в Италии и Франции разница между богачами и бедняками (в одежде, питании, жилище, в образе жизни) была огромной и специально подчёркивалась, то в Голландии придерживались «золотой середины»: бедные старались выглядеть поприличнее, а богатые – ну, не «победнее», конечно, но... «средне».

Именно за способность разглядеть красоту там, где раньше её и не искали, – в скромной повседневной жизни простых людей и ценим мы голландских художников.

И кстати! Эту черту унаследовали у голландцев американцы (ведь немало американцев – выходцы из Голландии, даже город Нью-Йорк назывался сначала Нью-Амстердам). У многих американских богачей до сих пор принято одеваться неброско и вести себя «демократично».

Только ли эту манеру поведения унаследовали американцы от голландцев? Нет! Посмотрите на картины: две из них – уже знакомых нам Вермеера и де Хоха, а ещё две – американских художника и художницы ХХ века… Замечаете сходство?

В следующем выпуске поговорим о живописи барокко.

Предыдущие выпуски:

"Что такое классическое искусство?"

"Что такое Эпоха Возрождения"?

Канал "Лучика" в "Телеграм": https://t.me/luchik_magazine
Страница "Лучика" "ВКонтакте": https://vk.com/lychik_magazine

Бесплатно скачать и полистать номера журнала можно здесь: https://www.lychik-school.ru/archive/ Выписать журнал с доставкой в почтовый ящик можно на сайте Почты России.

Когда в 1874 году французский художник Клод Моне представил на выставке свою картину «Впечатление. Восход солнца», она показалась многим зрителям «возмутительной мазнёй».

По-французски название картины звучит так: «Импресьóн. Соле́ левáн». И вот один журналист назвал её придуманным словечком «импрессионизм» – то есть «впечатлизм».

Но Клод Моне и его товарищи не обиделись. «Импрессионизм? Отлично! Значит, будем импрессионистами!» Так появилось название этого нового необычного направления живописи.

Кстати, давайте заодно посмотрим на картину англичанина Уильяма Тёрнера, написанную в 1833 году, за сорок лет до Моне. Правда, они похожи?

Почему же тогда первым импрессионистом считают Клода Моне? Потому что Тёрнер был уникумом, одиночкой. (Разве что у его современника Джона Констебла можно найти что-то похожее...) А импрессионисты ворвались в искусство целой группой. Чтобы получилось «направление в искусстве», одного человека мало. Один в поле не воин.

Кто-то может сказать: «Эти импрессионисты были просто лентяями. Неохота им было тщательно детали выписывать!» Однако дело совсем в другом...

Почему они так пишут?

В 30-е годы XIXвека была изобретена и начала очень быстро развиваться фотография. К тому времени, когда появились импрессионисты, фотография уже сильно потеснила живопись. Ведь не нужно было тратить время и силы на то, чтобы запечатлеть какой-нибудь дом или улицу – фотограф сделает это быстрее и точнее. И портреты людям хотелось заказывать фотографические. Не надо долго неподвижно сидеть, позируя художнику, – раз и готово!

Конечно, художникам было обидно… А теперь – внимание, вопрос. Чего недоставало фотографии по сравнению с живописью? Что у живописи было такое, чего у фотографии пока не было?

Цвет! У фотографии не было цвета! И художники-импрессионисты решили «поднажать на цвет». Не для того, чтобы победить фотографию, – они понимали, что это невозможно: между искусством и техническим прогрессом люди всегда выбирают технический прогресс.

Они решили так: «У нас, художников, глаз более острый, чем у обычных людей. Там, где обычный человек видит один цвет, мы видим огромное множество оттенков и переливов. И мы заставим вас тоже это увидеть! Мы будем это изображать!»

В самом деле, если раньше художник, чтобы добиться нужного оттенка зелёного цвета, смешивал на палитре определённое количество жёлтой и синей краски, то импрессионист брал жёлтую и синюю краски в чистом виде и клал рядом на холст так, чтобы зелёный цвет возникал прямо в глазу зрителя!

Видели старый цветной телевизор? Если посмотреть на его экран с расстояния в несколько сантиметров, можно увидеть, что всё цветное изображение складывается из крошечных точек красного, жёлтого и синего цвета. Точек другого цвета на экране нет! Но, когда смотришь на экран с нормального расстояния, видишь и розовый, и фиолетовый, и коричневый – все цвета, какие нужно. Все они складываются из так называемых «основных цветов» – красного, жёлтого и синего. Причём «сложение» происходит именно в глазу зрителя!

Кстати, точно так же устроены и экраны современных телевизоров, и экраны смартфонов, просто точек там больше и они мельче – не разглядишь.

Ну вот, а теперь рассмотрим картину художника-постимпрессиониста Жоржа Сёрá «Воскресный день на острове Сен-Жатт». Мы выделили один её фрагмент красным прямоугольником:

Какой цвет в прямоугольнике внизу? Тёмно-зелёный? А теперь давайте посмотрим на выделенный нами фрагмент поближе:

Цвет становится зелёным, потому что фиолетовый смешивается у нас в глазу с оранжевыми точками, когда мы смотрим на картину издалека! Вся картина состоит из десятков тысяч нанесённых на холст разноцветных точек!

А хотите ещё фокус? Отойдите от экрана на пару шагов и внимательно посмотрите на следующую картинку… Что видите?

Кружочки? А что ещё? Напишите, пожалуйста, в комментариях! Ждём ваших ответов!

Развиваем воображение

Конечно, не все импрессионисты стали рисовать «точками». Но главный принцип – «изображение должно возникать не на холсте, а в глазу и в воображении зрителя» – соблюдали все. Например, посмотрим на картину Камиля Писсарó«Праздник Марди-Гра на бульваре». Видите прохожих, всадников на лошадях?

А на самом деле – мы их не видим – мы их воображаем! Художник ЗАСТАВИЛ нас увидеть прохожих и всадников там, где на самом деле изображены просто пятна и закорючки:

Может, художник просто лошадей рисовать не умел? Нет, просто для него, как и для других импрессионистов, «чтобы было похоже» – не главное. «Похоже» теперь любой фотограф сделает. А для импрессиониста главное – передавать те состояния природы, которые недоступны для фотографии. В первую очередь – передавать так называемую «освещённость» – неуловимую быстро меняющуюся игру света в природе.

Именно поэтому они очень любили рисовать в утренние и вечерние часы, когда освещённость быстро меняется. Разумеется, рисовать надо было не «по памяти», в мастерской, а только с натуры – «на пленэре» (то есть на свежем воздухе), стоя или сидя перед маленьким походным мольбертом или этюдником.

Моне, например, написал огромную серию «Руанских соборов» – один и тот же фасад собора в городе Руане, но в разное время суток, в разную погоду и в разное время года. То есть – при разном освещении!

А в старости он уже не мог путешествовать, да к тому же заболел артритом и не мог держать в руках кисти (при этой болезни пальцы плохо сгибаются). Он просил, чтобы ему привязывали кисти к рукам, и с утра до вечера писал (в смысле рисовал) пруд с лилиями неподалёку от своего дома…

Различаем оттенки!

Живопись импрессионистов развивает не только фантазию, но и наблюдательность, чуткость к природе, к её видимым, зримым состояниям. А в конечном итоге – развивает ум!

Можно всех рыб называть словом «рыба», а можно различать карасей, уклеек, сазанов, ёршиков, окуньков, тунцов, барракуд… Чем больше ты различаешь «оттенков рыб», тем больше у тебя знаний, верно? Это правило касается всего. Например, надо уметь различать больше оттенков настроений у себя и у других людей. «Грустный» и «печальный» – уже не совсем одно и то же. А ещё есть «меланхоличный», «тоскливый», «элегичный», «задумчивый», «тревожный», «мятущийся», «смятённый», «депрессивный»… Чем чутче ты определяешь настроение человека (или своё собственное), тем лучше понимаешь, как себя с ним вести, что с собой делать.

Чем, например, отличаются «печальный» и «грустный»? Вопрос на засыпку!

Грусть – состояние более острое, но быстрее может пройти, а печаль мягче, но длится дольше. Грустным человек бывает по какой-то причине и обычно знает, почему ему грустно. А вот печальным можно быть и без причины – непонятно почему. Вот просто накатило такое настроение, и всё!

В природе тоже надо уметь различать оттенки. У многих ведь людей как? Солнышко – жёлтое, трава – зелёная, стволы деревьев – коричневые. Какой карандаш есть в коробке, такого цвета пусть и будут. А природа – не коробка с карандашами! В ней цветов гораздо, гораздо больше!

Может возникнуть вопрос: разве до импрессионистов художники не знали всего этого?

Разумеется, знали. Но они не делали это знание достоянием публики. Это был их секрет. Они смешивали на палитре краски, какие надо, и получалось «похоже». А импрессионистам не надо было делать «похоже» (за них это уже фотографы делали), и они решили показать зрителям, что происходит у художника в голове. Как возникают цвета и формы…

Вовлечь в процесс творчества, а не показать его результат:

Это была статья из журнала "Лучик".

Канал "Лучика" в "Телеграм": https://t.me/luchik_magazine

Страница "Лучика" "ВКонтакте": https://vk.com/lychik_magazine

Бесплатно скачать и полистать номера журнала можно здесь: https://www.lychik-school.ru/archive/

Подписаться на журнал можно в почтовом отделении или на сайте Почты России