3) Мельник. Типичный советский военный - упертый, недалекий милитарист. Везде и всюду ожидает врагов. И это авторы игры пытаются передать как некую манию преследования в достаточно гипертрофированном виде. Видимо, по мнению создания игры - через 20 лет после массированных ударов (читай массовой гибели населения) противники РФ не попытаются контролировать стратегические точки на территории страны, по мере возможности и будут относиться к выжившим убийцам своих родных исключительно как к лучшим друзьям.

4) Анна - просто клиническая дура, которая на протяжении более чем 3-х месяцев (за время пути от Ямантау до Тайги) замачивала свою болезнь, при том, что было посещено минимум 1 место, где можно было озаботиться поискать лекарств - военный объект в Ямантау. Не говоря уже о том, что её могли банально поберечь, а не надрывать дыхалку дальше.

5) По ГГ - Артему сказать особо нечего, по причине отсутствия озвучки. Будем считать, что свою дурость держит при себе.

6) Ситуация вокруг бункера в Ямантау. Да, представленные люди в нем не Правительство РФ, а являются, по сути бойцам строительных частей, которые этот объект возводили. Умолчим о их количестве (банальный ведь зерг-раш при побеге оттуда) и не однократных проездок в письмах на тему коррупции (угум, разворовали бюджет на то, что должно спасти жизнь не абстрактных граждан, а свою собственную - верю два разА). Однако все равно возникает ряд вопросов - почему проживающие в бункере (и многие на территории остальных локаций) выглядят как карикатурные изображения жителей СССР из дойче вохеншау в разгар нацистской пропаганды? Почему командирами и военнослужащими части, возводящей один из самых засекреченных и стратегически важных объектов оказались морально нестойкие личности, фактически моментально скатившиеся до каннибализма?

7) При этом идиотами показаны даже противники России. Потому что никого из них за 22 года не смутило ни только полное радиомолчание с на территории города, но даже любое отсутствие сведений о том, что же на территории города происходит.

И это только основные моменты сюжета, которые бросаются в глаза, опуская постоянные попытки подчеркнуть т.с. "антироссийскую" направленность студии, что уже не единожды упоминали в сети - достижения, связанные с разрушением статуи Ленину, постоянные упоминания украинского языка (фото в поезде, русско-украинский словарь на каждой книжной полке), написания названия страны с маленькой буквы в коллекционном издании и многое другое.

Оказалось, что сам чавкающий паук никуда не делся. Все это время он сидел на плече, точнее левитировал около него. Заметен он был, только когда Артем сидел на стуле или в лодке, когда можно было свободно крутить головой. Перезагрузки опять не помогали, и смирившись с этим, я с другом, у которого проходил игру, назвали его Геннадием. Геннадий не мешал играть, а просто мирно сидел на плече, иногда напоминая о своем присутствие в катсценах и диалогах.

Так я прошел все главу на Волге.

Акт третий: Геннадий обнаглел или как пересесть с иглы плеча на лицо Артема

Наверное глупо было надеяться, что загрузка новой карты поможет. Потому что она не помогла.

Паук обнаглел и решил поселиться на голове протагониста. С этого момента воспринимать эту игру всерьез стало невозможно. Паук-Геннадий намертво присосался к голове Темы аки хедкраб. Любой диалог или взаимодействие с персонажами превратилось в комедию, и проходить эту игру дальше было физически невозможно: слишком высок риск умереть со смеху.

Трипл Эй Фулл Прайс Гейминг во всей красе

P.S.

В следующей главе после интерлюдии в поезде паук остался на месте.

И бонусы:

"За меня и моего паука!"

Автомеханик в мире киберпанка

Грей привык делать всё своими руками, хоть и живёт в «умном доме», который готов не только всё делать, но и думать за своего хозяина. Он реставрирует старые автомобили и не дружит с современной техникой. Добродушно посмеиваясь над своей «продвинутой» женой, он даже отказывается садиться в её навороченный самоуправляемый «суперкар». Он — представитель «вымирающего вида», один из немногих оставшихся в мире людей, не пытающихся улучшить себя при помощи вживлённых чипов и имплантов.

Грей не доверяет «умным» машинам и оказывается прав — «взломанный» кем-то на расстоянии роботомобиль меняет привычный маршрут и завозит их с женой в криминальный район, где герой внезапно теряет всё — любимую супругу, здоровье, подвижность, возможность даже пальцем пошевелить. Теперь бывший механик попал в полную зависимость от автоматов, которые с готовностью обслуживают его, но не в силах залечить ни душевные, ни физические травмы.

И вот перед ним открывается внезапная возможность встать на ноги в буквальном и переносном смысле: его клиент, компьютерный гений и коллекционер старых машин по имени Эрон, предлагает вживить Грею свою экспериментальную разработку — чип «Стем». Разумеется, ради благой цели! И бывший ненавистник имплантов ломается. Не только для того, чтобы вернуть подвижность своему телу, но и для того, чтобы найти убийц жены.

Голос в голове

Мы часто разговариваем со своими гаджетами, как с живыми, обращаемся к ним, как к одушевлённым лицам, и получаем от них стандартные, но вполне внятные сообщения: «процесс идёт, ожидайте», «обновите страницу», «перезагрузите устройство». «Алиса» и «Siri» отвечают на вопросы и даже шутят и кокетничают. «Стем» начинает беседу с Греем вкрадчиво и смиренно, спрашивая разрешения на каждое действие.

Но с каждой секундой голос в голове героя становится всё твёрже, всё назойливей. Этот своевольный «кукловод», вживлённый в человеческое тело, постепенно захватывает все «рычаги управления». «Стем» проявляет себя не как машина, не как компьютер, а как личность. Он шутит, провоцирует, спорит, приказывает, убивает. Он идёт и против своего хозяина — Грея, и против своего создателя — Эрона.

Значит ли это, что компьютер умнее человека? Нет. Он такой, каким его создал человеческий гений. Беда в том, что слепо доверяя технологиям, человек сам, добровольно отказывается от своей ведущей роли. Он ставит себя в зависимость от собственных изобретений, не думая о последствиях. Раз поступившись своими принципами, Грей уже не может остановиться. «Стем» в буквальном смысле слова творит, что хочет, манипулируя и Эроном, и Греем.

Грею противна жестокость «Стема», он не хочет мстить убийцам жены, он хочет докопаться до сути. Но циничный «голос в голове» понимает всё по-своему и делает всё по-своему, беспощадно убирая с дороги и преступников, и полицейских. Грей уже не в силах противостоять ему, не в силах отказаться от его коварной «помощи»: бывший хозяин стал рабом.

Нельзя сказать, что «Стем» превращает Грея в чудовище. Приходя в себя, Грей пытается спорить, сопротивляться. Однако возможности, которыми его тело начало обладать благодаря чипу, обманчиво привлекательны, и он полностью отдаёт себя в «руки» компьютерного манипулятора.

Мстить или не мстить

«Апгрейд» поднимает ещё один вопрос — о бессмысленности мести. Герой находит ответы на свои вопросы, находит и убийц жены, и заказчика, но это не приносит ему облегчения ни на секунду. Наоборот — именно попытка отомстить загоняет героя в заранее расставленную ловушку.

Если бы Грей использовал «Стема» только как средство вернуть здоровье, не слушал подсказки «голоса в голове», играющего на эмоциях — возможно, он бы остался хозяином своей судьбы, разума и тела.

Виртуальная ловушка для мозга

«Как можно променять реальный мир на виртуальный?» — недоумевает герой, попав в компанию любителей виртуальной реальности, погружённых в компьютерные грёзы. На тот момент он ещё не осознаёт, в какую западню угодил.

Всё начинается с малого — со снов. «Стем», словно продвигаясь наощупь, предлагает Грею сон «альтернативной реальности», где его жена жива. Видя бурную реакцию своего «подопечного», он находит возможность полностью завладеть его сознанием. Для этого надо только погрузить мозг Грея в такой спасительный сон, наполнить его убедительными образами, отключить сознание. Если это работает с фанатами компьютерных игр, почему не должно сработать с упрямым автомехаником?

Так Грей снова ломается. Он погружается в виртуальную реальность, заботливо созданную «Стемом», полностью покидая реальный мир. Остаётся только тело, которым безраздельно владеет компьютерный чип. Получается «Призрак в доспехах» наоборот — не человеческий разум, вживлённый в искусственную оболочку, а искусственный разум, управляющий человеческим телом.

Сможет ли Грей вернуться — неизвестно. Продюсер картины Джейсон Блум пообещал продолжение. Значит, борьба «куклы» и «кукловода» не окончена.

Материал

Фильм «Парфюмер. История одного убийцы» — экранизация всемирно известного романа писателя Патрика Зюскинда, которого нередко называют «немецким Сэлинджером» за отшельнический образ жизни.

Книга и фильм

Вышедший в 1985 году роман Зюскинда имел бурный успех, сразу же став бестселлером. Вскоре после появления книги, к ней стали проявлять интерес режиссеры с мировым именем, включая Милоша Формана, Мартина Скорсезе, Тима Бёртона, Стэнли Кубрика. Последний, впрочем, снял свое предложение, посчитав творение некинематографичным.

Лишь в 2001 году Зюскинд решился передать права на экранизацию фильма, при этом сумма сделки составила 10 миллионов евро. Съемку киноленты продюсер доверил режиссеру Тому Тыкверу. На выбор повлияло как немецкое происхождение кинематографиста, так и его любовь к Франции (Патрик Зюскинд, несколько лет проживший в Париже, считает себя франкофилом).

Режиссер бережно отнесся к роману: в фильме сохранены основные герои и эпизоды произведения. Изменены лишь некоторые детали, кроме того, ради динамичности сюжета выпущен период, который главный герой проводит в горах и в качестве гостя маркиза.

При этом Тому Тыкверу удалось донести до зрителей самое важное – особую атмосферу книги, насыщенную ароматами Франции XVII века, а также многоплановость произведения.

Начало фильма

В первых кадрах фильма мы видим судей, зачитывающих приговор черноглазому юноше. Согласно вердикту, подмастерье парфюмера Жан-Батист Гренуй приговорен судом к мучительной казни. Собравшаяся на площади толпа ликует, выражая полное одобрение столь суровому наказанию.

В чем же провинился молодой человек? Перед нашими глазами начинает последовательно развертываться картины его жизни, несущие важное смысловое значение.

Рождение и детство

Как сообщает голос за кадром, младенец, которому было суждено стать величайшим гением в парфюмерном мире, появился на свет в Париже XVII века. Его мать – торговка с рыбного рынка – бросила новорожденного среди отбросов.

Возможно, именно их запах заставил малыша кричать, что спасло ему жизнь – плач был услышан полицейским, подобравшим ребенка. Однако крик стал и причиной гибели матери младенца, которую казнили по подозрению в детоубийстве.

Маленький Жан-Батист Гренуй попадает в приют, где он начинает познавать мир. Именно тогда и выяснилась необычность мальчика, который отказывался от слов и визуальных впечатлений, однако тонко чувствовал оттенки ароматов.

Девушка со сливами

В возрасте 13 лет мальчик становится подмастерьем в дубильной лавке, по-прежнему ощущая над собой власть запахов, ради постижения которых он совершает долгие прогулки по Парижу. Во время одной из них он встречает прекрасную рыжеволосую девушку, несущую корзинку с желтыми сливами.

Привлеченный не столько ее красотой, сколько пленительным запахом подросток не может оторваться от нее. В исступлении он убивает красавицу, стремясь сохранить для себя аромат ее кожи. Однако сделать это ему не удалось, и Гренуй чувствует себя опустошенным и беспомощным.

По словам режиссера, именно этот эпизод стал для него ключевым в романе. Ведь уловив прекрасный аромат девушки, гениальный парфюмер поставил себе сверхзадачу – воссоздать его.

Ученичество у Бальдини

Стремясь познать искусство создания духов Жан-Батист, поступает в ученики к итальянскому парфюмеру Бальдини. Отношения между хозяином и слугой напоминают историю Моцарта и Сальери. Старый итальянец создает ароматы, раскладывая их на составляющие и точно рассчитывая унции и граны, тогда как Гренуй опирается на интуицию, которая никогда его не обманывает. Сцены ученичества чрезвычайно важны в смысловом плане: юный парфюмер обретает свои силы и уверенность в своем мастерстве, чтобы самостоятельно начать работу над давно задуманным эликсиром.

Грасс и идея фикс

Решив продолжить свое обучение, юноша отправляется в столицу духов – Грасс, где он устраивается младшим подмастерьем к вдове парфюмера. Случайная встреча с красавицей Лаурой, от кожи которой исходит благоуханье, утверждает его в намерении создать духи невероятной волшебной силы.

Гренуй проводит ряд экспериментов, стараясь выяснить оптимальный метод, позволяющий извлечь эссенцию запаха молодости и красоты. Он решает, что его парфюм будет состоять из 13 нот, для создания которых ему понадобятся тела юных девственниц. Как ловкое животное, юноша начинает охоту за ними, создавая вытяжки и отбрасывая трупы.

Триумф и гибель

12 нот собрано в духи. Однако, по мнению Жан-Батиста, в букете не хватает красоты и благоухания Лауры. Чувствуя опасность, отец девушки старается спрятать ее, но тщетно – в момент прихода полицейских он завершает составление духов.

Мы вновь возвращаемся к начальным кадрам фильма: смертный приговор вынесен – жить преступнику осталось немного. Однако Гренуй наносит на себя каплю «волшебного» парфюма и настроение толпы резко меняются: только что жаждущие крови зрители, внезапно начинают превозносить юношу, а затем, объятые желанием, устраивают бурную оргию.

Ускользнувший от правосудия парфюмер отправляется в Париж к месту своего рождения. Стремясь заглушить вонь или вызвать экстаз, он обливает себя духами – и на него набрасываются торговки и другие обитатели рынка, которые, воспылав любовью, разрывают Гренуя на куски.

Многомерность фильма «Парфюмер»

Жанр киноленты, как и книги достаточно сложно определить. В ней легко отыскать «готические», детективные и социальные мотивы. При этом сам режиссер Том Тыквер в одном из интервью назвал «Парфюмера» «костюмной» драмой.

Вряд ли можно согласиться с маэстро, ведь помимо весьма подробного повествования о жизни Парижа и Прованса в Эпоху Просвещения, в фильме (вслед за книгой) прослеживается несколько глубоких философских подтекстов.

Гренуй в фильме показан как эгоист, идущий на поводу своих страстей, но даже полное исполнение желаний не приносит ему счастья, а ведет к гибели.

Впрочем, насколько виноват гениальный самоучка-парфюмер, вынужденный с раннего детства вести борьбу за существование? Тем более, что убийство для него не развлечение, а всего лишь единственно возможный для него способ достижения цели.

Поднимая этот вопрос, авторы близко подходят к теме научной этики, которая касается ответственности ученых как за проведение экспериментов, так и за использование результатов.

Рассказ о человеке с гениальными способностями, который использует преступно созданный эликсир ради всенародной любви, странным образом сближается с судьбами диктаторов, идущих к вершинам власти по трупам.

Наконец, если откинуть глубокий подтекст, «Парфюмер» можно рассматривать и как захватывающее повествование о таинственной власти аромата, которые могут вызывать ненависть и любовь. Тыкверу удалось наполнить запахами визуальное пространство настолько убедительно, что многие зрители начинают принюхиваться уже на двадцатой минуте фильма.

Материал

Фильм Терри Гиллиама принадлежит к тем произведениям, истинное значение которых начинают понимать лишь через какое-то время. Сейчас странно вспоминать, что в 1998 г. «Страх и ненависть в Лас-Вегасе» провалились в прокате, что фильм сочли очередной «черной» комедией про наркоманов. Сегодня ни у кого нет сомнений в том, что у Гиллиама получился шедевр, и что культовый статус фильма обусловлен не только блестящей игрой Д.Деппа и Б. дель Торо, но и его глубоким смыслом.

Какая книга послужила литературной основой фильма?

Фильм Гиллиама основан на романе шестидесятника, журналиста и бывшего наркомана Хантера Томпсона «Страх и отвращение в Лас-Вегасе. Дикое путешествие в сердце «Американской мечты»  и очень точно воспроизводит практически все описанные в нем происшествия.

Любопытно, что роман основан на подлинных событиях, а главных героев — журналиста Рауля Дюка и его приятеля, адвоката Гонзо — Томпсон списал с себя и своего друга по имени Оскар Зета Акоста, мексиканца по национальности. Томпсон сумел избавиться от своих наркотических пристрастий, написал несколько книг и застрелился в 2005 г. в возрасте 67 лет. Акоста пропал без вести в 1974 г.

Какую роль играют в фильме наркотики?

Едва ли не с первого кадра по последний герои «Страха и ненависти в Лас-Вегасе» или употребляют наркотики, или говорят о них, или отходят от последствий употребления. Но было бы странно рассматривать шедевр Гиллиама как наглядное пособие по разным видам наркотических веществ или агитку-предупреждение в духе плакатов «Скажи наркотикам нет!». «Страх и ненависть в Лас-Вегасе» — фильм не об изменяющих сознание средствах, хотя поначалу может показаться иначе.

Тему наркотиков в фильме можно рассматривать в трех аспектах. Во-первых, это примета времени, настолько яркая черта 1960-х и начала 1970-х, что без нее сложно было обойтись, рассказывая о той эпохе. Во-вторых, это метафора. Не случайно в фильме постоянно напоминают о войне во Вьетнаме: правительство США, ввязываясь в эту войну, было так же одурманено величием и ролью сверхдержавы, как Дюк и Гонзо — мескалином, эфиром и всем, что они принимали. И так же, как любая наркотическая эйфория заканчивается тягостным пробуждением, воинственный угар закончился поражением и кризисом.

Но самый глубокий уровень темы наркотиков связан с главной идеей фильма, а именно попыткой понять, что стояло за молодежным бунтом 1960-х, за расцветом рока и субкультур.

В чем смысл фильма?

О бурных 1960-х снято немало, но Гиллиам, как всегда, демонстрирует оригинальное и глубокое понимание проблемы. Ключом к точке зрения режиссера служат финальные размышления Люка о сути субкультуры 1960-х как к стремлении найти кого-то или что-то, что позволит увидеть свет в конце туннеля. Речь идет не только о разочаровании в политике правительства или в американском обществе: первым пунктом повестки дня был духовный, экзистенциальный кризис, связанный с утратой смысла жизни. И здесь нельзя не вспомнить столь любимого Гиллиамом Достоевского, в свое время проницательно заметившего, что жизнь без веры (читай — без цели и идеалов) теряет смысл, а когда Бога нет, то все позволено.

Поиском идеалов, целей и смысла бытия занимались все контркультурные течения 1960-х. Кто-то предлагал заниматься войной, а не любовью; кто-то уезжал за экзотической мудростью в индийские ашрамы; а кто-то, как герои фильма, пошел по пути расширения сознания с помощью веществ. Но прием наркотиков не был самоцелью, а лишь способом обретения духовной свободы, полного раскрепощения в мире, где вместо икон — портреты кинозвезд.

В чем смысл образов Гонзо и Люка?

Приключения главных героев фильма служат прекрасной иллюстрацией к тому, чем оборачивается в реальности та самая абсолютная свобода, когда дозволено все. При этом Гиллиам счастливо избежал примитивной назидательности: если бы в финале одурманенных приятелей арестовали и посадили, философская составляющая фильма свелась бы к нулю. Но страшные копы, охотящиеся за Люком и Гонзо, существуют лишь в их сознании, в реальности же все прозаично: они никому не нужны, их никто не преследует, все проблемы они создают себе сами.

В начале фильма оба героя — при всем их своеобразии — вызывают некоторую симпатию, а их похождения — веселый смех. Но чем дальше, тем слабее становится симпатия и сильнее — брезгливое недоумение. И если эпизод с горничной Элис еще можно рассматривать как глупую шутку, то сцена с оскорблением и запугиванием беззащитной официантки в кафе глубоко отвратительна и говорит о полной деградации Гонзо (да и Люка тоже).

Однако дело не в страхе и ненависти: Гиллиам отчетливо показывает, что абсолютная свобода, о которой так мечтали неформалы 1960-х, заводит даже не в бездну, а в тупик.

Почему Люк ходит по номеру с резиновым хвостом?

Придя в себя после приема адренохрома, Люк непонятно как обзаводится резиновым хвостом рептилии. Это не просто забавная деталь: хвост — знак атавизма, отката назад, погружения в первобытную стихию хаоса. Еще сильнее эту стихию подчеркивает заполнившая номер вода. Иными словами, эксперименты по расширению сознания рано или поздно возвращают человека на уровень доисторического существа.

В чем смысл гонок?

Гонка «Минт 400», репортаж о которой должен написать Люк — символический образ гонки за успехом, тех самых «крысиных бегов», которые так критиковала контркультура 1960-х. Еще один иронично трактуемый образ — это «Великая американская мечта». Ее символизирует американский флаг, который таскают с собой герои и который в итоге выглядит как тряпка.

В чем смысл имен Гонзо, Люси и Элис?

Фильм Гиллиама буквально нашпигован аллюзиями, реминисценциями и скрытыми цитатами, и имена персонажей — не исключение. «Гонзо» переводится с английского как «спятивший», «полоумный». Можно вспомнить и т.наз. «гонзо-журналистику»: саркастические и крайне субъективные репортажи, часто написанные от имени фриков в духе абсурда (кстати, Томпсон является крестным отцом гонзо-журналистики). Имя Люси отсылает к нас к культовой песне Леннона «Lucy in the Sky with Diamonds». Многие воспринимали название песни как зашифрованное упоминание наркотика ЛСД, хотя сам Леннон категорически отвергал такую трактовку. Ну, а Элис — это Алиса, попавшая не в волшебную страну, а в номер двух наркоманов, не уступающий волшебной стране в сюрреалистичности.

Интересные факты

«Страх и ненависть…» — не первое обращение кинематографистов к прозе Томпсона: в 1980 г. по его романам был снят фильм «Там, где бродит бизон»; в 1995 г. — фильм «Лучше, чем секс»; в 2011-м — «Ромовый дневник», причем в последнем фильме главную роль снова играет Д.Депп.

В «Страхе и ненависти в Лас-Вегасе» зритель видит Томпсона в клубе «Матрица», где он восклицает: «Это был я… Матерь Божья! Это же я!». Писатель не только снялся в эпизоде, но и активно помогал Джонни Деппу войти в роль — вплоть до того, что собственноручно побрил ему голову.

Материал

"Завод" ждал буквально с горящими глазами.

Первое, что сразу хочется сказать - просто сходите на этот фильм. Пусть даже если не понравится, я считаю Юрий Быков один из немногих российских режиссеров, который достоин кассовых сборов..

Синопсис всем известен.. Завод закрывают, отчаянные рабочие решаются взять в плен хозяина, местного олигарха, и выжать из него денег.

Сразу сходу хочется придраться к одной вещи.. Слабо показана мотивация людей, собирающихся пойти на такое.. Похищение человека, да не абы кого, а самого влиятельного в области. И вернее сказать не слабо, а довольно скоротечно.

Я всю дорогу не мог понять, почему данное событие вообще присутствует в аннотации к фильму. Ну то есть, это тоже своего рода серьезный спойлер. Можно ведь было описать просто, мол, завод закрывают, люди в отчаянии, на что они пойдут.. И, собственно, само похищение в фильме было бы еще одним твистом в копилку. Но тут смысл в другом. Быков еще задолго до этого везде рассказывал про то, что этот фильм повествует о том, что работяги берут в заложники хозяина завода и т.д. То есть это просто отправная точка. И в фильме это хорошо видно. Вряд ли режиссер, после "Майора" и "Дурака", то есть понимающий как работать с персонажами и умеющий их преподносить, допустил бы такую оплошность, уделив "отчаянию" каждого героя по 10 секунд экранного времени. Но тем не менее эта мысль присутствует первое время.. Которое довольно быстро проходит..

И дальше начинается то, ради чего всё это и задумывалось. Фильм не о похищении человека, опять же, это просто отправная точка, запускающая ситуацию, в которой нет четкого разделения на черное и белое, на хороших и плохих, на правых и виноватых.. Есть просто люди, из разных слоев общества, с разными характерами, с разным мышлением, со своей правдой каждый.. Но всех их объединяет одно - ночь, дождь, завод.. Эти три слова уместны здесь настолько же, насколько в жизни уместно нахождение на одном социальном уровне олигархов и нищих, хозяев и рядовых рабочих, мажоров на геликах и бабушек с протянутой рукой..

К чему я это всё.. Это уже не такая "прямо в лоб" социальная драма про коррумпированных чиновников и проч. Это больше триллер, который держит в напряжении, и который не разыгрывает стандартную ситуацию в духе "похитили супер важную шишку, выкуп все дела, прилетает отряд героев, дебильные диалоги, штурм, все спасены, все живы, злодеи наказаны". Вот это называется прямолинейно (это к слову о, как всегда недовольных, критиках, которые после показа фильма в Торонто назвали его слишком прямолинейным)..

"Завод", обладая теми же чертами, пытается удивлять.. И он действительно, я бы сказал не то чтобы прямо удивляет, а радует.. Именно радует. Тем, что здесь есть и некоторые твисты, и что события развиваются именно так, как развиваются. Опять же, не дуболомное противостояние плохих хороших, правых не правых. Это просто люди, поведению которых веришь.

И к слову о "недостаточной мотивации".. Мол, ее не хватает чтобы сопереживать этим людям и т.д. Как мне кажется, чтобы им сопереживать достаточно просто знать, что они обычные работяги.. Хотя, про существование таких людей в современной жизни, судя по всему, мало кто знает.. И то есть я не хочу сказать, что все персонажи деревянные и типо их социальный статус автоматом должен вызывать какие-то сопереживания. Нет..

Здесь у Быкова всё на месте. Все персонажи разные, со своим бэкграундом, со своими.. ну в общем об этом я уже говорил.

И плюс ко всему фильм качественный не только в плане сценария, но и визуально.

Музыка, и в этот раз написанная самим режиссером (но уже не в одиночку, а вместе с неким Иваном Исьяновым), превосходная.

Картинка, уже не снятый на фотоаппарат "Майор".. Действительно, как говорит сам режиссер, достойна для показа в кинотеатрах..

Только это опять же забавно. Как говорится, было бы смешно не будь так грустно.. Человек, снявший одни из лучших российских фильмов за последнее время, наконец, через 9 лет после своего дебюта, может гордиться тем, что у него нестыдный визуал для широкого проката..

Вот наверно наглядная разница в плане заинтересованности.. На вторые выходные на "Т-34" был почти полный зал.. Здесь же, первые выходные, человек 10 от силы.. В основном люди довольно приличного возраста..

Фильм держит в напряжении, картинка хорошая, музыка отличная.. Что еще надо? Сортирного юмора и Ревву в бабском наряде? Ну да, любителям такого явно не сюда..

Я понимаю "Майора" или "Дурака", там довольно острые социальные темы, на которые у нас не принято говорить.. Но, бл*дь, почему "Заводу" оказали финансовую поддержку кто угодно, но только не наши Минкульт или Фонд Кино..

Это конечно сугубо личная херня.. Но мне, например, после "Завода" хотелось только сесть и нажраться.. Только не от того, что в фильме показан какой-то дикий мрачняк или депресняк, нет, от того что такие фильмы не востребованы и не интересны (хоть и пока рано судить о сборах и т.д., просто смотрю на предыдущие картины режиссера)..

Нам нужны такие авторы, которые снимают кино ради того, чтобы что-то сказать, в первую очередь, а не просто бабла напилить.. Жаль, что массовому зрителю они нахрен не упали..

P.S. Во время рекламы перед фильмом показали тизер следующего фильма Быкова "Сторож" (который, кстати, уже снят)

За «Отелем «Гранд Будапешт» утвердилась репутация фильма-сказки, хотя формально это трагикомедия. Однако один из лучших фильмов Уэса Андерсона — и впрямь сказка, в которой можно выделить несколько смысловых пластов. Это и сказка о нищем, но добром и исполнительном сироте Мустафе, который, как и положено, в итоге преуспел и разбогател. Это и легенда о великом, непревзойденном, идеальном старшем консьерже мсье Густаве, который обвел вокруг пальца своего главного врага Дмитрия, подозрительно похожего на Дракулу. Но, главное, это сказка о потерянном времени, ушедшей эпохе, и не случайно в титрах фильма упоминается имя Стефана Цвейга.

Какие произведения Цвейга легли в основу сценария?

Классик австрийской литературы С.Цвейг известен как мастер остросюжетной новеллы, но не стоит искать в собрании его сочинений произведение под названием «Отель «Гранд Будапешт». Создателей фильма вдохновили не рассказы, а книга мемуаров писателя «Вчерашний мир». Правда, шикарного отеля и его обитателей в этой книге нет, но там есть нечто большее: восприятие европейской цивилизации, существовавшей до Первой мировой войны, как Атлантиды, бесследно исчезнувшей. По мнению Цвейга, тот мир — и та Европа — были сложны, неоднозначны, но человечны и прекрасны. Этот взгляд разделяет и Андерсон, вот только мир, вчерашний для Цвейга, для нас уже далекое прошлое, что и подчеркивается первыми же кадрами фильма.

В чем смысл первых кадров?

В начале фильма мы видим девушку, идущую по старому кладбищу к памятнику автору книги «Отель «Гранд Будапешт». Девушка добавляет к ключам, которыми украшен памятник, еще один ключ, и смотрит на фото автора книги на обложке. Можно предположить, что эта сцена разворачивается в наши дни. Затем мы переносимся в 1985 год, когда писатель был еще жив, и слушаем его воспоминания о поездке в знаменитый отель в 1968 г., где владелец отеля и некогда самый богатый человек Зубровки — господин Мустафа — рассказал ему о необычайных событиях, имевших место в 1932 г.

Зачем режиссер так долго подбирается к сюжету: неужели только ради сказочного зачина? Нет, конечно. Во-первых, зрителю дают понять, что все, что он увидит — это версия событий глазами Мустафы. Во-вторых, четкое обозначение дат помогает понять концепцию фильма.

В чем особенность концепции фильма?

Главным событием в жизни Мустафы была встреча с мсье Густавом, произошедшая в эпоху, когда «Гранд Будапешт» еще был великолепен. К 1968 г. от великолепия мало что осталось, но сам отель еще стоит, и живы свидетели его славы. К 1985 г. отель уже снесли, свидетелей нет, но есть автор, тщательно записывающий все, что он услышал некогда от очевидца. А в наши дни от эпохи «Гранд Будапешта» осталась только книга.

Примерно так и уходит любая эпоха — сначала главные герои событий (мсье Густав), потом очевидцы, потом те, кто слышал их рассказы. А когда уже никто не может сказать, как все было на самом деле, наступает черед легенд и сказок. Именно такую сказку о прошлом Европы и рассказывает Андерсон.

Где происходит действие фильма?

Как гласят титры, события разворачиваются в республике Зубровке на самой дальней восточной границе европейского континента. Нужно ли говорить, что такое государство никогда не существовало, а «Зубровка» — один из видов водки? Но не стоит путать художественный прием и характерную для американцев путаницу с европейской географией. Зубровка, бывшая некогда центром империи — обобщенный образ всех государств, возникших на руинах Австро-Венгрии, и одновременно условное сказочное пространство.

Кто такой мсье Густав?

Обворожительный мсье Густав — не только главный герой фильма, вокруг которого вращаются все его события. Он — живое воплощение даже не Европы 1930-х, а «вчерашнего мира» Цвейга, т.е. той европейской цивилизации, которая существовала до 1914 г. Об этом прямо говорит постаревший Мустафа: время Густава закончилось еще до его рождения. И здесь мир фильма приобретает еще одно измерение: на самом деле ностальгия, которую испытывают его герои — это ностальгия не по межвоенному периоду, а по золотому веку ар-нуво (не случайно именно в этом стиле построен отель), великих империй и великих людей.

Но каким был тот век на самом деле? Об этом мы можем лишь догадываться, глядя на противоречивого мсье Густава. Он блестящий профессионал, безупречно воспитан, обаятелен, изящен — и в тоже время одинок и склонен спать со всеми своими друзьями. Но главное, что привлекает в старшем консьерже — это его чувство чести и организаторские способности. При мсье Густаве в отеле все работало, как часы — и так ли уж важно, чем он занимался в свободное время?

Возможно, таким был и мир, разрушенный Первой мировой: немного беспутным, немного странным, но с незыблемыми представлениями о чести и долге. А еще гуманным в самом широком смысле слова.

Почему мсье Густав погибает?

Расстрел мсье Густава после начала войны, сильно напоминающей Вторую мировую, лишь кажется внезапным сюжетным ходом: на самом деле он в высшей степени логичен. Тот мир, воплощением которого был великолепный консьерж, окончательно погиб в 1939 г. В эпоху Освенцима и Треблинки идеи благородства и чести оказались плохо совместимыми с реальностью: в новом мире, где правит насилие, мсье Густав обречен.

В чем смысл фильма?

Несмотря на грустный финал, фильм Андерсона исполнен оптимизма. Да, эпохи уходят вместе со своими героями, и нам не дано остановить время. Но ничто не уходит бесследно: всегда будет кто-то, кто расскажет о прошлом, и кто-то, кто запишет рассказ.

Переставший существовать в реальности отель ожил на страницах книги, которую читает молодежь (о популярности книги говорит количество ключей, которыми украшен памятник Автору) — и стал бессмертным. А если на смену истории приходят сказки — что ж, в этом есть свои преимущества. Сказки близки и понятны всем, особенно если рассказывать их так, как это делает Уэс Андерсон.

Материал

В списке наиболее часто экранизируемых произведений всемирной классики «Портрет Дориана Грея» занимает одно из почетных мест. До экранизации Оливера Паркера, созданной в 2009 г., по роману О.Уайльда сняли свыше 30 фильмов. Среди них есть и весьма неожиданные версии. Например, в фильме А.Голдштайна, снятом в 2004 г., действие разворачивается в 1980-х гг. и стареет не портрет Дориана, работающего фотомоделью, а его фотография. А в экранизации Т.Мэйлама «Грехи Дориан Грей» (1983) Дориан — не мужчина, а женщина.

Чем же так привлекателен для режиссеров роман Уайльда и что нового в историю Дориана внес Оливер Паркер, чья экранизация признана одной из лучших? Чтобы ответить на эти вопросы, обратимся к идеям романа и его сюжету.

Культ вечной молодости

История, рассказанная Уайльдом, восходит к старинным легендам о продаже души дьяволу. В ней можно выделить две идеи, тесно переплетающиеся между собой: идею красоты и молодости как главной ценности и идею поиска наслаждений как смысла жизни. Дориан хочет быть вечно молодым не только потому, что он влюблен в свое лицо, как Нарцисс, но и потому, что красота открывает ему путь к любым удовольствиям.

Обе идеи актуальны и спустя сто с лишним лет после написания романа. Люди во всем мире тратят миллионы долларов, чтобы казаться моложе, а пластические операции с целью устранения морщин делают не только кинозвезды и фотомодели, но и политики. Мы живем в обществе потребления, одержимом культом красоты, и это делает историю Дориана Грея очень современной. Именно потому Паркер обратился к ней, внеся в сюжет свои дополнения.

Книга и фильм

В фильме Паркера то же время действия, что и в романе — викторианская Англия; сохранены основные сюжетные линии и герои, но общая тональность киноповествования намного мрачнее. Если роман начинается с разговора лорда Генри и художника Бэзила июньским солнечным полднем, то первым кадрами фильма является сцена жестокого и кровавого убийства, совершенного ночью. С самого начала зритель знает, что Дориан стал преступником.

Чтобы понять, как такое случилось, режиссер обращается к прошлому героя, год тому прибывшего в Лондон, где он унаследовал дом своего деда, лорда Келсо.

Юный Дориан наивен, неопытен, не искушен в светской жизни: за три недели он познакомился лишь с благотворительным кружком леди Агаты и Бэзилом Холуордом. Примерно такой Дориан предстает перед нами и в романе Уайльда. Все меняется после знакомства юноши с лордом Генри.

Очень символично начало их дружбы в фильме Паркера: лорд Генри угощает до того не курившего Дориана сигарой. Это первый шаг — пока еще относительно невинный — на пути приобщения неофита к «радостям жизни», которым лорд Генри в фильме занимается более интенсивно, чем в романе. Он же и соблазняет Дориана идеей продажи души дьяволу в обмен на вечную молодость, глядя на великолепный портрет юноши, написанный Бэзилом.

Первая любовь Дориана из-за его эгоизма заканчивается трагедией: юная актриса Сибилла Вейн, которую он соблазнил, бросилась в реку. После ее смерти Дориан впервые замечает странные изменения портрета, который он хранит у себя дома: из его глаза выползает червяк. Трупной червь символизирует начало разложения души Дориана, который после смерти Сибиллы, что называется, пускается во все тяжкие — оргии, наркотики и т.д.

Почему гибнет художник?

Когда Бэзил просит Дориана одолжить его портрет для выставки, тот категорически отказывается. Несколько позднее Дориан соблазняет Бэзила, повергая того в душевное смятение. Отношения художника и модели заканчиваются убийством: Дориан убивает Бэзила, пришедшего с требованием показать ему портрет.

Дориан убивает художника по двум причинам: и потому, что Бэзил узнал тайну портрета, который стареет вместо Грея, и потому, что он создал этот портрет, наделенный дьявольской силой. Бэзил Холлуорд первый расплачивается за то, что пусть невольно, но помог Дориану превратиться в морального монстра. Убив бывшего друга, Дориан прячет его расчлененный труп в чемодан и сбрасывает в Темзу, после чего надолго уезжает из Англии. С этого момента сценарий фильма начинает достаточно сильно отклоняться от сюжета романа.

В чем смысл появления Эмили — дочери лорда Генри?

Вернувшись на родину из дальних странствий через много лет, Дориан знакомится с дочерью лорда Генри, влюбляется в нее и надеется, что ее любовь поможет ему начать новую жизнь.

Но отец Эмили в ярости: он не верит в чувства Дориана и не хочет видеть его рядом со своей дочерью. В доме Эмили происходит безобразная сцена.

Такого персонажа, как Эмили, в оригинальном романе Уайльда нет. Сценарист и режиссер ввели его для того, чтобы подчеркнуть вину и ответственность лорда Генри за то, что случилось с юным Дорианом. Когда-то лорд Генри подтолкнул неопытного юношу на ложный путь, и теперь он платит за это судьбой собственной дочери. Одновременно зритель видит, как меняется сам Генри, его психология и убеждения: то, что казалось ему забавным экспериментом с человеческой душой, теперь, когда речь идет о родной дочери, внушает отвращение и ужас.

Но все попытки разлучить Эмили и Дориана оказываются напрасны: они вступают в брак.

В чем смысл финальной сцены?

У лорда Генри остается только один способ избавить свою дочь от Дориана — уничтожить портрет. Он проникает в дом Дориана и находит на чердаке занавешенный портрет. Догнавший его Дориан сперва пытается убедить Генри, что это портрет его дедушки, но безуспешно. Тогда со словами

«Я стал всем тем, чем ты боялся быть, но я всегда старался быть лучше, чем я есть!»

Дориан пытается удушить Генри. Тому удается отбиться, на миг вырубить соперника и сорвать покров с портрета, на котором изображен старый уродливый монстр. Желая покончить и с портретом, монстр на котором оживает и рычит, и с Дорианом, Генри поджигает портрет, выбегает из чердачного помещения, запирает его и срывает со стены газовый светильник. Через несколько минут должен произойти взрыв, но тут появляется Эмили, которая просит Дориана отдать ей ключ, чтобы она его выпустила. Дориан отказывается от спасения: он не хочет, чтобы монстр, живущий в нем и рычащий с портрета, сломал Эмили жизнь. Генри уводит дочь, а постаревший Дориан пронзает портрет шпагой и сгорает сам.

Таким образом, зритель видит, что каковы бы ни были грехи Дориана, в нем еще оставались человеческие чувства — любовь к Эмили (он признается перед смертью, что его сердце принадлежит только ей), раскаяние и страдание. Он выступает собственным судьей и палачом, заставляя предположить, что если бы не стечение обстоятельств, Дориан мог бы прожить иную жизнь.

Что произошло с портретом

На первый взгляд, такая трактовка противоречит слогану фильма: «Молодой навсегда. Проклятый навеки». Если Дориан был способен на искупление грехов, разве он проклят? Все точки над i расставляют последние кадры, где Генри, превратившийся в отвергнутого собственной дочерью кашляющего старика, смотрит на портрет, снова ставший молодым. Когда он уходит, глаза портрета оживают. Это значит, что душа Дориана навсегда стала пленницей портрета, и ей не найти спасения.

Материал

«Надеюсь, когда люди увидят этот фильм и немного о нём подумают, они увидят себя. Не бывает людей, которые не разносят себя на части так же, как этот персонаж»,

— сказал Гонсалес Иньяритту в одном из интервью, которое у него взяли вскоре после выхода «Бёрдмэна» на широкий экран.

Если вы еще не в курсе, то он дважды получил «Оскар» как лучший режиссер (за «Бёрдмэна» и «Выжившего»), а также стал обладателем заветной статуэтки за лучший фильм (за «Бёрдмэна»). Алехандро Гонсалес Иньяритту – также обладатель репутации одного из самых депрессивных и серьезных режиссеров, но не в контексте его собственного расположения духа, а в плане тех проектов, над которыми он работает.

У Иньяритту есть свой взгляд и свои принципы, которых он неуклонно придерживается. В том числе, качество снимаемого фильма для него всегда важнее, чем размер потенциального заработка. Режиссер считает, что никогда не будет зарабатывать своими картинами сотни миллионов долларов, потому что он в принципе не делает такое кино, которое способно взорвать современный прокат. Более того: он убежден, что как только создатели фильма начинают думать в первую очередь о деньгах, их работа оказывается где-то за пределами творчества.

Свое мнение у него есть и поводу растиражированных картин о супергероях, которые неоднократно сатирически обыгрываются в «Бёрдмэне» (к слову, это мнение разделяют и сценаристы проекта). Они считают, что вся концепция «супергеройства» сводится к людям, у которых есть деньги и власть, и которые защищают «хороших» и убивают «плохих». Другими словами, к бесконечно «черно-белому» миру, к полному отсутствию глубокого смысла, на который они порой пытаются претендовать. Впрочем, вся индустрия высокобюджетных «попкорновых» картин в принципе не вызывает у Алехандро Гонсалеса Иньяритту никаких положительных ассоциаций, что он без особых прикрас показывает в своем фильме.

Обреченный быть посредственностью

Вне всяких сомнений, центральной и ключевой фигурой этого фильма является Ригган Томпсон и его альтер-эго – Бёрдмэн, супергерой, сыгранный еще в прошлом веке. Единственная известная роль и единственный шанс на успех, давно затерявшийся под грузом прошедших с тех пор лет.

Касательно восприятия самого Бёрдмэна большинство зрителей разделилось на два лагеря: кто-то считает его проявлением шизофрении, кто-то – просто художественным приемом, призванным показать нам, что творится в голове у главного героя. Второй вариант, скорее, более правдоподобен, хотя право на существование имеют они оба.

Это не «Игры разума» и не «Черный лебедь». Это не фильм о том, как персонажа настигает сумасшествие, и его личность и жизнь просачиваются сквозь пальцы, рассыпаясь подобно песку. Это фильм о человеке, который обречен на неудачу. О человеке неглупом и незлом, но однозначно не великом. О постаревшем, полысевшем, покрывшемся морщинами кумире родителей нынешней молодежи, не бездарном, но и не талантливом. Давно забытом, но не забывшем, каково это: купаться в лучах славы.

О том, кто не может быть назван образцом добропорядочности, равно как и отъявленным мерзавцем. О человеке, потерявшем семью, не уследившем за своей дочерью, но все равно понимающем, что что-то в этой жизни – абсолютно пустое, а что-то – заслуживает названия стоящего. И отчаянно пытающимся ухватить это стоящее за хвост, поймать, пока не стало совсем поздно, пока вся его судьба еще не превратилась окончательно в комическую пародию на нормальную жизнь. Но, разумеется, его попытка перебраться из забывшего его Голливуда в не знающий его Бродвей заранее обречена на неудачу.

Совпадение или сатира на самих себя?

Среди поклонников «Бёрдмэна» также распространено мнение, что многие из актеров, сыгравших в фильме, по сути, высмеяли самих себя этими ролями. Концепция, опять же, имеющая право на жизнь, хотя четкого утвердительного ответа на вопрос о ней Алехандро Гонсалес Иньяритту так и не дал.

По поводу Майкла Китона удержаться от подобных ассоциаций практически невозможно. Очаровательно сыгравший Бэтмена в двух очаровательных фильмах Тима Бёртона, а до этого – еще и Битлджуса в одноименном фильме того же Бёртона, в начале 1990-ых годов молодой Китон был одним из известнейших голливудских актеров. Только вот после этого его карьера особо не задалась. Да, он иногда появлялся на экране во второстепенных ролях или в малоизвестных фильмах, но ни одной громкой роли до «Бёрдмана» у него больше не было. И как-то так получилось, что, казалось бы, еще совсем недавно мы видели Майкла молодым и обаятельным, а теперь ему уже более шестидесяти лет.

Что же касается остальных актеров, то тут все не так однозначно. Хотя некоторые коллеги признавались, что работать с Эдвардом Нортоном порой бывает непросто, все же у него нет славы взбалмошного и эксцентричного актера, готового отчебучить что угодно в стремлении доказать свою исключительность. Персонаж Наоми Уоттс тоже похож на нее лишь отчасти, да и в Эмме Стоун не так уж много всего от Сэм.

- Твой отец был прав.

- И в чем же?

- В том, что ты особенная. Знаешь, ты болтаешься здесь, ты стараешься быть невидимой под маской обреченной неудачницы, но ведь без толку. Ты не невидима, ты огромна. Ты просто запуталась, ты —свеча горящая с обоих концов, но это прекрасно. И никакие бухло, трава или гонор этого не скроют.

- Хорошо, что ты актер, а не писатель. А то это было, как сопли в сиропе, аж уши слиплись.

Цитата из фильма.

Как понимать концовку фильма?

Картина завершается тем, что Ригган Томпсон стреляет в себя из настоящего пистолета во время премьеры фильма. После этого выясняется, что пьеса имела успех, а поступок актера назвали «неожиданным достоинством невежества», решив, что выстрел был совершен случайно. К слову, эта фраза также присутствует в полном названии фильма, которое в русскоязычном прокате решили не использовать.

Сэм наконец-то приносит Томпсону его любимые цветы, да и в целом демонстрирует обеспокоенность здоровьем своего отца, что достаточно сильно контрастирует с ее привычным поведением. Повязки на лице Риггана повторяют форму маски Бёрдмэна, и он, сняв ее, исчезает в оконном проеме: вероятно, воспаряя ввысь.

Понимать это, опять же, можно по-разному. Можно поверить, что все стало хорошо, и на этом успокоиться. Однако общая эмоциональная тональность фильма вряд ли позволит вам это сделать. Где-то в глубине души вы будете понимать, что не могло все просто взять и сразу стать хорошо. Что это гораздо больше похоже на очередную, последнюю игру воображения главного героя, смягчающую последние мгновения его присутствия в нашем мире. Что даже неудачник Ригган Томпсон вряд ли промахнется, стреляя в упор. Что смерть на театральных подмостках, после которой его безнадежную пьесу неожиданно начнут восхвалять – единственное возможное завершение жизненного пути такого человека, при котором он еще не потеряет личное достоинство.

Оператор, сценаристы и Рэймонд Карвер

Успех этого фильма обусловило многое, и один из этих компонентов – впечатляющая работа Эммануэля Любецки. «Бёрдмэна» снимали при ограниченном бюджете на ограниченных локациях, при нетрадиционном для кинематографа освещении. И именно Любецки стоит благодарить за ту неповторимую атмосферу, которая была создана в этом проекте.

Еще один важный момент – это сценаристы, которых в «Бёрдмэне» было аж четверо, включая режиссера. Как впоследствии рассказывали создатели фильма, они все участвовали в создании сценария в равной степени, что достаточно необычно. Чаще всего есть главный сценарист, и есть несколько «корректоров». Но здесь каждый имел возможность высказать свои идеи, насколько странными они бы ни были, и вплести их в канву сюжета.

И, наконец, Рэймонд Карвер. Само собой, кумир главного персонажа в создании фильма не участвовал: он умер в 1988-ом году. Но нельзя рассказывать о «Бёрдмэне» и не отметить, что Рэймонд Карвер – это кумир самого Алехандро Гонсалеса Иньяритту. По мнению режиссера, идея поставить спектакль по произведению Карвера на Бродвее настолько по-хорошему плоха, что сам писатель ее наверняка бы оценил. Более того: некоторые элементы из рассказа «О чем мы говорим, когда говорим о любви», по сути, перенесены в плоскость взаимодействия персонажей «Бёрдмэна». Главный персонаж этого рассказа до отчаяния жаждет, чтобы его любили, равно как и Ригган Томпсон.

Кстати, вдова Рэймонда Карвера после премьеры заявила, что ее покойный супруг бы от всей души похохотал над происходящим. А хохотать ли вам после просмотра, или найти в себе силы о чем-то задуматься – это ваш выбор.

Съёмки

Бюджет фильма в 18 миллионов долларов не позволил построить декорации центральной части Нью-Йорка, как это было сделано в картине «Новый Человек-паук. Высокое напряжение». Поэтому съёмки, начавшиеся в марте 2013 года, проходили на настоящих улицах Нью-Йорка. Часть съёмок проходила в декорациях театральных помещений, а фасад театра, сцену и зрительный зал снимали на натуре в театре Сен-Джеймс на Западной 44-й улице. Прогулка Майкла Китона в трусах по Таймс-сквер также снималась на натуре одним дублем.

В фильме использована современная стилистика непрерывной съёмки подвижной камерой, установленной на систему «Стэдикам». Однако, несмотря на кажущееся отсутствие монтажных склеек, в фильме их не менее 100. Нужного эффекта удалось добиться точной организацией монтажных кадров и цифровой обработкой изображения, маскирующей склейки. Одна из особенностей фильма заключается в цифровой «зачистке» случайных следов членов съёмочной группы: отсутствует даже отражение оператора и камеры в зеркалах. Для съёмки сцен полёта главного героя использована та же технология, что и в фильме «Гравитация».

Весь фильм отснят цифровыми кинокамерами «Arri Alexa», данные с которых передавались по Wi-Fi на внешний накопитель, и были сразу же доступны для просмотра и монтажной разметки. Благодаря этому и предварительной организационной работе съёмки прошли менее чем за месяц, а монтаж занял две недели.

«Залечь на дно в Брюгге» — это фильм, который вы либо горячо возненавидите, не увидев в нем никакого смысла, либо полюбите до глубины своей души, хотя объяснить толком, за что именно, вряд ли сможете. Это одна из трех легендарных полнометражных работ английского сценариста, режиссера и продюсера Мартина Макдонаха, также подарившего нам «Семь психопатов» и «Три билборда на границе штата Эббинга, Миссури».

Стоит отметить, что своеобразные «Залечь на дно в Брюгге» и «Семь психопатов», хоть и нашли свой круг преданных почитателей, однако оказались гораздо менее популярными у широкой публики, чем гораздо более прямолинейные и очевидные «Три билборда на границе штата Эббинга, Миссури», в которые Макдонах как будто специально засунул все злободневные темы в расчете на «Оскар». Поэтому можно с достаточно высокой степенью уверенности сказать, что если вам понравились «Три билборда…», то эти две картины вам, вероятнее всего, «не зайдут». А если после просмотра оскароносного фильма вам захотелось чего-то более вкусного, изысканного, странного и неоднозначного – то не поленитесь оценить другие работы режиссера.

Почему именно Брюгге?

Тема отношения к этому городу муссируется на протяжении всего фильма очень активно. С одной стороны – Кен и Гарри, которым это место кажется сказочным, волшебным и атмосферным. С другой – Рэй, воспринимающий Брюгге исключительно как тюрьму. Невыносимую, отвратительную, мрачную, подавляющую.

И если Кен искренне наслаждается временем, проведенным в этом городе, с удовольствием посещает достопримечательности и интересуется историей Брюгге, то Рэй ищет каких-нибудь более развязных развлечений, которые помогут ему хоть ненадолго отключиться от мыслей о ненавистном Бельгийском городе. К слову, считающимся одним из самых красивых и живописных городов Европы с обилием памятников истории, сохранившихся с глубокого Средневековья.

Мартин Макдонах, который выступил здесь не только как режиссер, но и как сценарист (он в принципе снимает фильмы только по своим сценариям), очень любит путешествовать: и по Европе, и по Штатам, и по другим уголкам нашей планеты. И во время посещения Брюгге он, по его словам, испытал два противоречивых ощущения: с одной стороны, красота этого города вызывала у него неподдельный восторг. С другой стороны, сказочные улочки, мощеные мостовые и старинные здания наводили на него буквально ужасающую скуку, вызывающую желание как можно скорее вернуться к более привычным пейзажам.

Положительных персонажей здесь не будет

Собственно, сценарии первых двух студийных работ Макдонаха тем и интересны, что положительных персонажей в них нет в принципе. Никаких образов светлых непорочных героев или героинь, отстаивающих правду и добро в этом злом жестоком мире, сохраняющих свои принципы, несмотря ни на что, любящих до одурения и готовых пойти за дорогих им людей хоть на край света. И даже никаких персонажей, которые сначала ведут себя, как злодеи, а потом оказывается, что у них просто тяжелая жизнь, а вообще они чуть ли не святые и очень, очень хорошие (как в «Трех билбордах…»).

Кто-то назовет такой подход парадом уродов. Кто-то – реалистичностью. Дело в том, что такой отказ от персонажей с нимбом на голове, источающих яркий свет и повергающих других во тьму, делает каждого героя гораздо лучше различимым. В этом сумраке, не озаренном ликом достойного подражания идеала, все остальные персонажи оказываются вполне неплохо освещенными. И мы можем рассмотреть их со всеми оттенками и полутонами, с рельефом, с отбрасываемыми ими тенями.

Герои, на которых сложно навесить ярлыки

Рэй – наемный убийца, который случайно убил ребенка и из-за этого оказался на грани нервного срыва. И он не так уж и ужасен. Кен – уставший от жизни киллер, который, тем не менее, умудряется соблюдать какую-то свою внутреннюю мораль и видеть прекрасное в этом мире. И он, по сути, тоже не так уж и плох. Гарри – неплохой отец своим детям и далеко не самый жестокий бандит во Вселенной. И, если подумать, он ведь тоже не откровенно злой, он не вызывает той ненависти и отторжения, которые обычно провоцируют шаблонные киношные злодеи.

То же можно сказать и обо всех второстепенных персонажах, включая Хлою. С ней Мартину Макдонаху удалось добиться впечатляющего эффекта: когда она впервые появляется на экране, мы начинаем думать, что вот он. Вот тот светлый образ, который расставит все по местам и даст нам стандартную, много раз увиденную и хорошо усвоенную схему построения сюжета и персонажей в нем. Но проходит всего несколько минут, и светлый образ рассеивается, обращаясь в прах. Девушка, показавшаяся милой и светлой, оказывается на такой уж и простой, хотя, опять же, и не откровенно ужасающей. И мы снова не знаем, какое ярмо на нее повесить.

Бессмысленный круговорот смертей

Персонажи в конце этого фильма мрут, как мухи, но особой печали это не вызывает – собственно, потому он и называется черной трагикомедией. Отчасти случайная смерть Кена, незадолго до нее решившего сохранить Рэю жизнь, выглядит как вполне закономерное завершение истории этого персонажа. Нелепое самоубийство Гарри, перепутавшего карлика с ребенком, смотрится как забавная кончина забавного человека с забавной манерой речи и принципами. И, наконец, тяжелое состояние Рэя, до этого постоянно помышлявшего о самоубийстве, тоже кажется вполне неплохим исходом для него, пусть его смерть нам и не показывают.

К слову, в изначальной версии сценария Рэй все-таки выжил после перестрелки в Брюгге и вернулся в Лондон, однако мыслей о том, чтобы покончить с собой, не оставил.

Идея о самоубийстве как повод для смеха

Пожалуй, лучший совет, который можно дать для получения удовольствия от просмотра этого фильма – не забывать о том, что он относится к жанру черной трагикомедии. Все, происходящее на экране, априори представляет собой в некоторой степени фарс. В том числе, навязчивые мысли Рэя о самоубийстве.

Его стремление к тому, чтобы покончить с собой, смотрится и в самом деле смешно. Казалось бы, ну какие могут быть конфликты со своей совестью у наемного убийцы? Какая ему может быть разница, кого он убил во время выполнения очередного задания? Однако Рэй ведет себя отнюдь не как прожженный бандюган, а как чувствительная и тонкая натура, для которой страдания так же естественны, как дыхание. И в таком формате суицид предстает как повод для гомерического хохота. Да не будет это воспринято в укор реальным людям, у которых есть склонности к самоубийству и необходимость обратиться за психологической помощью для решения этой проблемы. Потому что Рэй на приеме у психотерапевта, очевидно, смотрелся бы еще более забавно, чем с дулом у виска.

«Залечь на дно в Брюгге» — это, возможно, кинематографический аналог «современного искусства», ставшего притчей во языцех. Вы не найдете здесь четкой главной идеи, которую можно будет выразить в паре предложений и принять во внимание. Скорее, вы можете получить удовольствие от восприятия всего этого в целом, как нелепой абстрактной картины, которая, казалось бы, странна и нелогична, но почему-то продолжает притягивать ваше внимание и не позволяет оторвать от нее взгляд.

Материал

Забрал чип у гулей и не восстановил им насос? - Получай негативную концовку

Не пришёл вовремя? - Получай другую негативную концовку

Сделал всё правильно? - А ты хорош

В бетесдовских же частях нету подобного, я просто не могу понять зачем я делал все квесты и прочие действия, если я не могу увидеть к чему это привело в масштабном плане. Это же касается и дополнений - вот например уничтожил я Акадию и Фар-Харбор проходя за Детей атома, а дальше что? На что повлияют мои действия в будущем? Ну или в третьей части я проходя дополнение про Питтсбург выбрал концовку за Ашура, и что? Я опять же не могу понять что изменилось и было ли моё действия оправданным.

В Нью-Вегасе же мне даже после каждого дополнения показывали ролик в котором был итог всех моих действий, где я налажал и к чему это привело, так-же где я сделал хорошо - и это по настоящему показывает как и зачем я что либо делал.

Думаю теперь вам понятно почему многие олды не любят историю в новых частях

Три, наиболее запоминающихся, фактора - актерская игра Брюса Уиллиса, шикарная операторская работа, идея..

По сути, это кино про "супергероев" из комиксов. Однако подано иначе, и на мой взгляд, гораздо круче, чем в большинстве клишированных марвеловских поделок.

Как говорил один из моих любимых режиссеров Джеймс Кэмерон - фантастика необязательно должна быть логичной, но должна быть реалистичной..

"Неуязвимый" это не бездушный блокбастер, в котором все усилия идут только на спецэффекты. Здесь хочется сопереживать героям, ты веришь им, ты понимаешь их. Если вспоминать довольно обширное творчество Marvel, то навскидку можно вспомнить разве что "Люди Икс. Первый класс", где тоже были эмоции, была какая-никакая драма, а не просто постоянные взрывы и пафос в духе "мы добрые - вы злые, иди сюда с*ка"..

В общем, "Неуязвимый" оставил исключительно положительные впечатления и еще больше я загорелся энтузиазмом перед просмотром Сплита, мол, что же там, как это связано, "и всё такое"..

По настрою, стилю и повествованию это конечно совсем другой фильм (что нисколько ему не мешает). С первого взгляда, стандартный триллер, но с довольно интересным антагонистом.

Конечно и так все, наверное, знают, тут добавить нечего - Джеймс МакЭвой нереально крут. Помню первый раз увидел его когда-то давно в "Особо опасен", и хоть там не было ничего удивительного, но чем-то (даже не знаю чем) актер запомнился. Из разряда, когда смотришь в первый раз "Люди Икс. Первый класс" - "а, это тот чувак из опасного, помню"..

Глядя на его актерскую игру хочется только аплодировать (пересмотрел некоторые сцены с английской озвучкой и прихерел еще больше). Но и в остальном фильм считаю отличным, "и всё такое". Не бестолковый, уныло снятый "Визит", а довольно интересный, интригующий триллер, в конце резко меняющий направление и ловко подвязанный к "одной вселенной" с "Неуязвимым"..

Ну и, собственно, на следующий день после знакомства с первыми двумя фильмами, пошел смотреть третий.

Как говорят, критики по всему миру разнесли "Стекло" вдребезги. Честно говоря, так и не понял почему, да особо и не вдавался. На то они и критики )

Но, где-то попадались на глаза фразы в духе "запутанная история, сложная история"..

В каком месте она запутанная? Вполне логичное развитие для триквела. Три чувака сошлись наконец вместе и между ними развивается движуха. Иногда действие разбавляется ненапрягающими флэшбеками, дополняющими общую картину незначительными деталями. И в конце даются четкие ответы на вопросы, если вдруг они у кого-то возникли.

Много ляпов? С безопасностью проблемы в больнице? Хочется спросить - не смущает то, что там чувак по стенам ползает, а другой стальные двери вышибает? :)

Короче, честно, не понял претензий. Из кинотеатра выходил с чувством полного удовлетворения, что в наше время уже роскошь. При том, что шел я туда с некоторой долей предвзятости. После столького негатива где-то в глубине души ожидал разочарования, "и всё такое"..

Джеймс МакЭвой супер, как и в прошлый раз. Каждое его появление (особенно в образе Хэдвика) вызывает искреннюю улыбку. И особенно когда он меняет личности на ходу в одном кадре, без монтажных склеек.

Так же отмечу визуальный ряд и отличное звуковое/музыкальное сопровождение (в принципе, как и в предыдущих двух фильмах).

Резюмируя, могу сказать одно. Как мне кажется, если действительно понравились "Неуязвимый" и "Сплит" и вообще общая идея, то и "Стекло" так же зайдет (ну или по крайней мере можно будет лишний раз передернуть на игру МакЭвоя :)). Вполне оправданное и логичное сведение концов и завершение всей истории. И, на мой скромный взгляд, главное, что сохранил триквел - чувства и эмоции..

В общем и целом, какие бы косяки не были у Шьямалана в его творческой карьере.. Вряд ли что-то подобное смог бы создать какой-либо бездарь..

Он снял немало откровенно плохих фильмов, но при этом придумал реалистичную, интересную вселенную про супергероев, где слово "супергерой" не вызывает рвотных позывов после многолетнего, бездушного конвейера Marvel с одинаковыми персонажами, отличающимися только набором способностей и парой строчек биографии..

P.S. Очень понравилась идея с использованием в "Стекле" (в качестве флэшбеков) кадров, не вошедших в финальную версию "Неуязвимого". Сначала не мог понять откуда тут взялись эти сцены, ведь только вчера смотрел, не было там такого :)

P.P.S. Если вдруг кто из читающих, не знакомый с данными фильмами, решит ознакомиться.. Еще раз поясню, это не альтернатива другим популярным фильмам про супергероев. Это нечто иное, на схожую тему, и всё такое..