Интерьер Климентовской Церкви в Замоскворечье
Роскошный интерьер в стиле барокко и рококо. Иконостас украшен статуями ангелов и рокайлями. Свод центрального купола также украшен рокайлями.
Роскошный интерьер в стиле барокко и рококо. Иконостас украшен статуями ангелов и рокайлями. Свод центрального купола также украшен рокайлями.
Стиль барокко, подобно ампиру, рококо и неоклассицизму, всегда выглядел грациозно и вызывающе. Величественные пилястры, карнизы, ордеры и молдинги насыщали интерьер, порой даже перегружали, и в этом заключалась его фишка. Часто фасады зданий в этом стиле декорировались, не связанными друг с другом элементами: львами, божественными персонажами, растительностью. Это делалось, чтобы передать ощущение роскоши и вызвать трепет у зрителей. В результате интерьеры получались неприлично пафосными. Чтобы понять, для чего и как был создан стиль барокко, просто необходимо разобраться с его историей. Итак, приступим.
Предыстория: реформация
Европа. На дворе 16 век. Католическая церковь занимала главенствующую роль в жизни мирян. Миряне – это люди, которые не имели духовного звания, жили в мире. Для них тогда, поход в церковь, был равноценен нам сегодня походу за продуктами. Да, люди полностью доверяли и полагались на нее. Храм являлся местом где крестьяне могли покаяться или получить совет от священника. Также католическая церковь предоставляла крестьянам духовное руководство, давала возможность поговорить с богом и попросить у него помощи. Она утверждала, что бог поможет с преодолением трудностей, но для этого нужно по-настоящему проникнуться и поверить в него. И крестьяне искренно верили, соблюдая религиозные обряды, участвуя в богослужении, они понемногу сближались с богом. Помимо духовной поддержки, католическая церковь также сближала крестьян.
В храм приходили не только дворяне, ремесленники и бедные крестьяне, но и те, кто столкнулся с определенными трудностями в жизни. Например, остался без крыши над головой. Миряне с общим недовольством и горем объединялись, осознавали, что они такие не одни. Это вызывало у них эмоциональный подъем. Еще, католическая церковь предлагала доступ к образованию. Ею создавались приходские школы, в которых взрослые и дети обучались церковному песнопению, чтению на латинском языке, а в некоторых школах даже обучались счету и письму. Поэтому, для подавляющего большинства, вера была превыше всего. Чтобы покаяться, высказаться, поговорить с богом, или просто успокоиться они шли в храм. Ежегодные карнавалы, устраиваемые церковью, еще больше подпитывали любовь крестьян к ней. Во время этого праздника, они собирались в храме и бесплатно угощались такой едой, которую никогда не могли бы себе позволить в обычной жизни. Однако несмотря на все «плюсы» католичества в жизни простых людей, были и существенные минусы.
Для своего «развития и процветания», Церковь собирала приблизительно 10 процентов с имущества крестьянина, то есть десятину, что сильно било по его и без того небольшому капиталу.
Десятину брали монетами, золотом - если оно было, урожаем зерна и винограда, скотом и продуктами животноводства. Сама же церковь была освобождена от налогов, но продолжала собирать с народа десятину. Конечно же большая часть прибыли доставлялась в кошелек Папы Римского – Льва X. На эти средства он выкупал земли, на которых в свою очередь, от безысходности работали крестьяне, буквально за гроши.
В начале 16 века коррупция внутри церкви усилилась и стала явной. Причина тому – индульгенция. Это слово происходит от латинского indulgentia, что в переводе означает «милость», «прощение». Священники первым делом участвовали в принятии решения о прощении грешника.
Существовало два вида грехов. Обыденные и смертные. Первые – обыденные. К ним относили такие поступки, как хамство, хвастливость. Их можно было искупить достаточно просто: раскаявшись и помолившись в церкви. Однако если человек не искупал обыденные грехи, то не заметив, он мог совершить грехи уже куда более серьезные – смертные. С ними дела обстояли иначе. Смертные грехи – это наиболее тяжкие поступки, которые отдаляли человека от Господа. Пример тому гнев. Чтобы искупить этот грех и не попасть после смерти в ад, чего так боялись крестьяне, один раз посетить храм было недостаточно. Необходимым являлось каждодневное посещение церкви до тех пор, пока грешник больше никак не будет связанным с тем или иным грехом. Ему нужно было молиться, принимать участие в богослужении, неоднократно исповедоваться и искрение творить добро. Только так он мог получить прощение за смертный грех. И чтобы люди чаще посещали храм, католическая церковь говорила, что душевное состояние грешника ухудшится, если он не будет искупать свои грехи. Ухудшение душевного состояния подразумевало под собой возникновение мучительных мыслей по поводу совершенного. Грешники очень переживали, думая о том, что после смерти они попадут в ад. В совокупности, все эти факторы побуждали людей, которые совершили грех, идти и просить прощение у господа в храме.
И священники придумали способ, который, по их мнению, избавил крестьян от грехов и обогатил церковь. Он заключался в выдаче прощения любых грехов за определенную плату. Так, например, прощение убийства мирянина, совершенное мирянином, стоило 15 лир, 2 сольдо и 6 динарий. А прощение за убийство мирянина совершенное епископом, священником, начальником церковного учреждения или рыцарем ордена святого Иоанна, стоило 179 лир, 14 сольдо. Это новшество стали называть платной индульгенцией. Выглядела она как грамота, которая освобождала от наказания. Приносить деньги в церковь, чтобы искупить грехи, стало входить в обыденность. В дальнейшем такая практика распространилась на многие католические церкви. Однако, некоторые крестьяне вовсе не принимали новшество. Они считали поведение церкви наглым и неправильным, но не могли с этим ничего сделать. А смелый и решительный богослов Мартин Лютер мог.
Роль Мартина Лютера
Мартин Лютер – немецкий христианский священник, который, узнав о новой системе искупления грехов просто не мог оставить все как есть. Еще в 1510 году, он посетил Рим – культурный центр, город на семи холмах, или как его еще называли – вечным. Побывав в католической церкви, он сильно разочаровался в духовенстве Италии. Роскошный и культурный город, в его представлении, окончательно погряз во лжи. Монахи возомнили себя богами и превышали свои полномочия, продавая индульгенцию. Эта поездка отложилась у него в памяти на долго.
31 октября 1517 года, накануне празднования Дня всех Святых в Виттенберге возле дворцовой церкви толпился народ, которому в этот день было обещано отпущение грехов по выгодной цене. Но Мартин Лютер прервал мероприятие. На дверь церкви он прибил лист на с 95 тезисами, которые критиковали богословие католицизма. Этим поступком, он заложил фундамент будущей реформации, которая в конечном итоге привела к разделению церкви. В тезисах, немецким богословом было написано следующее: «Только Библия является источником христианского вероучения», «Только верой спасется человек», «Только благодатью спасают действия бога», «Только Христос достоин поклонения», «Только Богу слава». В общем исходя из этих 5 только, формировались все 90 последующих. Как мы видим, их суть заключается в критике римско-католической церкви. Также Мартин ставил цель «приземлить» священников и епископов, сделать так, чтобы они не могли нажиться на вере людей.
Становление протестантизма и возникновение барокко
История показывает: Северные государства на протяжении всего времени являлись более развитыми нежели южные. Это объяснялось тем, что жизненные условия в северных регионах были труднее и человек развивался быстрее. В результате, различия привели к сильному разрыву между югом и северу. Пока южные государства обрабатывали земли, северные уже осваивали горное дело. Так, на территории Норвегии, Германии и Швейцарии активно добывались железные и медные руды, которые продавались другим государства – это развивало экономику северных стран. В свою очередь южане работали за гроши на землях Католической церкви. Стоит отметить, что, работая в шахтах, люди сильно изматывались. Проблема заключалась в том, что Католичеству было все равно на усердный труд крестьян, в то время, как учения протестантизма гласили, что труд – высшее призвание человека. И это воодушевляло людей. Именно поэтому четырнадцатью свободными городами и шестью князьями Священной Римской Империи в 1529 году была подана протестация.
Термин происходит от латинского protestatio, означающего «торжественное заявление». Она была направлена на приостановку Вормсского эдикта – указа, требовавшего запрета трудов Лютера. В итоге, протестантами стали называть всех тех, кто был согласен с мнением богослова. К протестантизму примкнули: Австрия, Венгрия, Нидерланды, Чехия, Великобритания, Шотландия, Дания, Норвегия, и Речь Посполитая. Сделали они это в основном потому что, как и Мартин Лютер: отказывались видеть различия между священниками и мирянами. Они не признавали Папу Римского авторитетным представителем Господа. Но не только реформация повлияла на утрату авторитета Католичества в Европе.
В 1543 году, Николай Коперник выдвинул теорию гелиоцентрической системы мира, которая заключалась в том, что Солнце является центром Вселенной, а все остальные планеты вращаются вокруг него.
Об этом он написал книгу «О вращении небесных сфер». В то время, как католическая церковь придерживалась геоцентрической теории (в которой Земля – центр вселенной). Библейская псалтырь–книга Ветхого Завета, состоящая из 150 поэтических песен на религиозную тему, тому подтверждение. В ней было сказано: "На опорах поставил Ты Землю, чтобы вовек не сдвинулась с места" - это говорило о ее неизменном положении во вселенной. И поскольку утверждения ученого противоречили церковным, Католичество запретило его труды на 200 лет. Целых 2 века церковь отрицала гелиоцентрическую систему мира. Лишь в 1993 году, она признала свою ошибку.
Католичество было вынуждено кардинально меняться
15 июня 1520 года Мартин Лютер был отлучен от церкви Львом X– это событие стало началом Католической реформации.
По другому ее называли контрреформацией. Она боролась с приверженцами протестантизма и ставила цель вернуть прежнюю власть католической церкви и Папы Римского. Церковь понимала, что визуальный имидж имеет огромное значение в привлечении верующих. Красиво оформленные храмы должны были привлечь мирян, считало Католичество. Церковь предприняла гениальное решение, которое в дальнейшем преодолело проблему и вернуло ее прежний авторитет, власть и влиятельность. Она начала оформлять храмы и церкви в пестром и грациозном стиле – барокко.
Что такое барокко?
Барокко – это прежде всего преобразование классики, отступление от строгих норм и эволюция ренессанса. Есть несколько версий, как возник термин «барокко». Первая из них гласит, что слово произошло от итальянского "baruecco", так моряки называли ракушку необычной формы. Другая версия предполагает, что термин появился от французского слова «baroquer», возникшего у ювелиров и означающего - смягчение формы. Исследователям сложно определить конкретную дату возникновения стиля. Существует интересное мнение, ссылающееся к тому, что он появился во времена раздробленности, когда богатые короли и императоры могли украшать фасады зданий своего города до бесконечности. Ну а затем, после разделения церкви на протестантскую и каталитическую, вторая принялась действовать и вновь влиять на разумы людей, возводя церкви в пестром стиле барокко. Исходя из этого, можно смело сказать, что одной из важнейших характеристик барокко является эмоциональность и ощущение движения. Как раз это отличает его от более строгих стилей таких, как ренессанс и классицизм. Все барочные произведения насыщены драматизмом и непревзойдённой сложностью, создаваемой техникой декорирования фасада. Она заключается в удвоении и повторе элементов. Эти аспекты отчетливо прослеживаются в католических церквях, расположенных по всей Европе. Первыми постройками являлись храмы и церкви, поэтому все дальнейшие интерьеры и фасады ровнялись именно на них.
Чтобы понять, как выглядят интерьеры в барочном стиле, предлагаю изучить церкви, выполненные в стиле барокко.
Церковь и барокко
Стоит выделить, что в архитектуре данный стиль стал прогрессировать благодаря итальянскому архитектору и скульптору - Джакомо Делла Порта. Он, обучался приемам в архитектуре у Микеланджело – великого итальянского скульптора, архитектора, поэта, мыслителя. Благодаря его урокам, Джакомо Делла Порта создавал неповторимые фасады церквей, домов и даже университетов.
Католическая церковь наняла его для постройки пафосного и величественного Собора Святого Петра. Она это сделала, чтобы вновь стать значимой и влиятельной в искусстве и культуре. И забегая вперед, стоит сказать, что ей это удалось.
Весьма приторный декор был неотъемлемой частью церквей. Зачастую применялись различные элементы, которые не несли смысловую нагрузку и лишь придавали зданию впечатляющий визуальный эффект. Храмы украшались полуколоннами, двойными пилястрами и волютами – спиралевидными элементами. Атмосфера внутри церквей также соответствовала барочному стилю – она являлась эмоциональной, вызывающей и весьма волнительной. В интерьере использовались дорогие материалы, чтобы создать впечатление пышности и эпической красоты. Например, мрамором отделывали, полы, потолки, стены, и колонны. Художники расписывали огромные стены и потолки рисунками в стиле барокко. Часто в своих работах они изображали божественные сюжеты. Алтари, благодаря своему роскошному оформлению прекрасно дополняли интерьер, подчеркивая роскошь и изыск. Их украшали драгоценными камнями и золотом.
Как мы уже выяснили, храмы в стиле барокко служили средством популяризации католицизма, и это оказалось действенным. Некоторые страны Европы, такие как Великобритания, Швейцария, Скандинавские страны и Священная Римская империя сохранили католицизм, следовательно, в них стали возникать церкви в барочном стиле. Тому пример Собор Святого Филиппа в Бирмингеме в Англии.
Иезуитская церковь в Люцерне – первая церковь в барочном стиле построенная в Швейцарии.
Церковь Сан-Карло-алле-Куаттро-Фонтане
Церковь Сан-Карло-алле-Куаттро-Фонтане или же «церковь святого Карла у четырех фонтанов», считалась выдающимся памятником Римского барокко. Лишь окинув взглядом ее фасад, сразу приходит понимание того, что перед тобой величественное здание. Храм начали строить в 1638 году и закончили в 1677. Франческо Борромини – итальянский архитектор, сумел построить столь экстравагантное и изысканное здание, которое впечатляло жителей и гостей города. Давайте разберем, что же такого восхитительного у этого храма.
Большее внимание было уделено фасаду церкви. Высокие колонны с роскошными пилястрами возвышаются от низа до самого верха строения. Они словно пронизывают небольшой балкончик с аккуратными бортиками. Над входом оформлены ниши со статуями Карла Борромео - одного из самых видных деятелей Контрреформации. А с обеих сторон этих ниш установлены скульптуры Феликса де Валуа и Жана де Мата. Они являлись основателями католического монашеского Ордена Тринитариев. Чуть выше расположился фриз с надписью «IN ONOREM SS.TRINITATIS ET D(IVI) CAROLI MDCLXVII», что в переводе с латыни означает в «честь Святой Троицы и Святого Карла 1667». Дополняют внешний вид церкви две изящные башни, украшенные колоннами.
Внутри, католический храм выглядит еще ярче и привлекательнее, чем снаружи.
Высокий потолок и белые стены создают ощущение простора. Возле стен установлены колонны, оформленные выразительными капителями. Без золота не обошлось – Алтарная картина украшена толстой резной рамой, выполненной в золотом цвете. Над дверными проемами размещены золотые орнаменты, которые придают акцент белым стенам.
Вот как выглядит церковь святого Карла у четырех фонтанов в стиле барокко.
Барокко: захват Европы искусством
Долгое время писали картины в одном стиле - Высокого Возрождения. Повторяющиеся во всех произведениях приемы знатно надоели многим художникам. Они начали изобретать новое и изменять старое. Изображая на своих полотнах броские формы, абстрактные, неклассические и фантастические сюжеты, они создавали новый стиль в искусстве. Некоторые научные исследователи говорили, что совокупность техник имеет свое индивидуальное название – Маньеризм, что в переводе с итальянского «maniera» означает - манера, вычурность, прием. В свою очередь другие спорили с ними, относя маньеризм к раннему проявлению барокко. Они утверждали, что после того, как барокко обрел популярность, два стиля стали двигались параллельно, дополняя друг друга.
В свое время Барокко оказало сильное влияние на искусство Европы. Многие художники пародировали палитру цветов и композицию произведений этого стиля. Барокко был весьма неоднозначным и болезненным, то есть возникшим после ренессанса, как реакция на происходящие изменения в мире. Существовало множество картин в этом стиле и все они отличались от тех, что были выполнены в эпоху Возрождения. На полотнах почти всегда фигурировали люди, потому что человек – это сама индивидуальность. Картине придавали определенное настроение, идею и мысль, изображая на ней человека в определенной позе, с особой внешность и выражением лица. В картинах стиля барокко, художниками делался акцент на индивидуальность и неповторимость произведений. В своих произведениях, авторы создавали тревожное и меланхоличное настроение. Это удавалось при помощи использования контраста бледных и насыщенный цветов, а также «бесконечного фона» - черного цвета. Такой прием придавал произведениям таинственность. Подробнее об этом поговорим далее.
Характерные для барокко цвета
Важным фактором стиля барокко являлся цвет. Применяемые художниками контрастные цвета оказывали сильное влияние на зрителя. Произведения получались одновременно и вычурными, и помпезными. Достигалось это при помощи сочетания темных и насыщенных оттенков. В стиле барокко сформировалось понимание, какие оттенки должны использоваться для картин и какие для зданий.
Так, золото применялось для отделки и декорирования полотен, рамок, мебели и в целом различных декоративных элементов. Этот цвет являлся одним из ключевых в стиле, он создавал ощущения богатства и роскоши, что важно для барокко.
На ряду с золотым, использовались такие, как багровый, карминно-красный, темно-синий и изумрудно-зеленый цвета. При росписи стен, они являлись основными.
Все дело в том, что насыщенные цвета создавали чувство глубины и объёма.
Кроме того, в барокко важное значение имели нежные пастельные оттенки. Например: бледно-розовый, светло-желтый, персиковый, голубой и другие. Они вносили нотки нежности и романтизма не только в картины, но и в интерьеры.
Можно сказать, что цвета в стиле барокко служили средством создания атмосферы и придания роскоши.
Барокко в живописи
Живопись в стиле барокко по сей день впечатляет людей своими сюжетами и используемыми техниками. Художники создавали картины на религиозные темы - это означало, что их можно было часто встретить в католических церквях. Живописцы часто применяли в своих картинах в барочном стиле технику «сфумато». Вся ее суть заключалась в нанесении полупрозрачных слоев, чтобы достичь эффект дымки. Такое размытие позволяло сконцентрировать внимание зрителя на главном, при этом создав необычайную атмосферу. Та размытость и туманность вызывали чувство восхищения и легкой взволнованности. Удачный пример использования техники сфумато можно увидеть на картине Леонарда да Винчи «Мона Лиза».
Барочный художник - Меризи да Караваджо
Одним из самых известных художников барокко являлся Караваджо.
Микеланджело Меризи да Караваджо родился в Ломбардии, и с детства был крайне прямолинейным человеком. Художник имел свое мнение, которому оставался верен до конца – это и привело его к успеху.
Когда мальчику было пять лет, его дедушка и отец умерли во время эпидемии чумы. В итоге, он со своей мамой и братьями переехал в город Караваджо, в честь которого Микеланджело и получил фамилию. Вскоре, из-за скандального характера, его жизнь изменилась в худшую сторону. Юноша часто влезал в неприятности, дрался и разбойничал. Однако не все время будущий художник вел только маргинальный образ жизни. В 1584 году он начал обучаться живописи в Милане. Караваджо был хорошим художником, особенно ему нравилось писать портреты простых людей. Но пылкий характер никуда не делся. Часто, после окончания работы над картиной, художник уверенно разгуливал по улицам с мечом, при этом не имея на него лицензию. Обычным делом для него было что-то сломать, кого-то оскорбить, ударить. Из-за этого он часто попадал под арест.
Но 29 мая 1606 года он зашел слишком далеко. В результате спора с римлянином Рануччо Томассони, Караваджо пронзил его мечем, и рана оказалась смертельной.
Понимая, что за убийство он попадет в колонию, художник осел на Мальте. Там, он скрывался в имении семейства Колонны у Маркизы Костанции - своей хорошей подруги. Она всегда интересовалась его жизнью, была готова протянуть руку помощи и в целом являлась для него близким человеком.
Далее, Караваджо переехал в Неаполь. Находясь там в изгнании, его стиль стал мрачным, а фигуры людей нечеткими, размытыми. Он озлобился на весь мир. Характер художника стал более жестким, взгляд на мир поменялся. Но несмотря на это, он продолжал писать портреты простых людей, не изменяя своим традициям. На полотнах он все также изображал работяг, юношей и мужчины, женщины же и девушки появлялись куда реже.
Также, Меризи да Караваджо писал картины на религиозные темы для церкви, но она часто не принимала его работы. Например, картина «Святой Матфей и ангел» не устроила церковь. Она считала, что Матфей, изображенный художником в образе неопрятного мужчины, и непринуждённый ангел оскверняют все святое. Это было видно и обычному обывателю. На картине, апостол был представлен, как неуклюжий, несамостоятельный простолюдин с обеспокоенным выражением лица.
Другим произведением, которое было подвергнуто критике со стороны церкви являлось «Мадонна Лорето». Дело в том, что образ изображенной на картине Мадонны, писался Караваджо со знаменитой в Риме куртизанки - Маддалены Антониетти. И многие это заметили. К тому же, Дева Мария была показана как обычная смертная, лишь еле заметный, тонкий нимб над головой придавал ей святости. На картине невооруженным глазом видны грязные ноги, склонившихся перед Мадонной пилигримов – странствующих верующих. Церковь это не устроило, и она расценила это как оскорбление в сторону всех святых. Но Караваджо не унывал, он продолжал создавать картины, оттачивая свое мастерство.
Рассмотренный нами художник Меризи да Караваджо – был самым что ни на есть бунтарем. Поэтому его творчество являлось по-настоящему «живым», а все благодаря сильному характеру. Прямолинейность являлось важным качеством художника. Если бы не оно, то вероятно мы бы не увидели ту смелую игру цветов и интересные сюжеты в его произведениях.
Можно с уверенностью сказать, что барокко - это самый настоящий прорыв в живописи. Данный стиль показал себя во всей красе. Им были продемонстрированы насыщенные цвета, техники, а также непривычные для ренессанса сюжеты в картинах.
На основе выше всего выше перечисленного можно сделать вывод, что семнадцатый век был столетием преобразований и изменений. В то время поменялись церковь и представление о мире, вследствие этого появился стиль Барокко. Он был как стена, которая ограничивала «вечный» ренессанс. В барочном стиле создавались экстравагантные, смелые картины и здания – это значительно преобразило культуру и искусство всей Европы. Влияние барокко дошло и до наших дней, сейчас мы можем увидеть его проявление в напыщенных и изящных интерьерах.
Когда-то на волне профессий обещал разместить видеозапись с ансамблем, с которым мы поем музыку эпохи Возрождения и барокко. Мадригал начала 17 века композитора Клаудио Монтеверди. Darà la notte il sol
«Ночью солнце осветит землю, луна будет сиять днем, прежде чем Главк перестанет целовать и почитать ту грудь, в которой гнездилась Любовь, а теперь раздавлена печальной могилой. Пусть небеса будут добры к нему, оставшемуся наедине с болью своих рыданий.»
Храм находится в районе Замоскворечье Москвы, поражая своей помпезностью. Построен в стиле барокко. В нём гармонично сочетаются элементы западноевропейского и древнерусского зодчества. История церкви берёт своё начало в 1612 году и связанна с событиями Смутного времени, когда шло освобождение Москвы и России от интервентов. Современная церковь была построена в середине 18 века , предположительно, петербургским архитектором Пьетро Трезини. В Советское время уникальному храму грозило уничтожение, но его спас Игорь Грабарь. Сам Ворошилов также мог приложить руку к спасению храма в честь своего небесного покровителя. В самом храме находится множество святынь , и даже есть копия знаменитой Туринской Плащаницы.
Когда португальские моряки открыли морской путь в Азию, они стали возить в Европу жемчуг, много жемчуга. Иногда среди правильных округлых жемчужин попадались «странные» – ну, вот как на картинке. Их португальцы называли «perla barocca». «Пе́рла» – жемчужина, а «баро́кка» – странное слово вроде наших «бяки-закаляки» и «кракозябры». В общем, «кракозябристая жемчужина».
Perla barocca и браслет из «барочного жемчуга»
Эти «бракованные» жемчужины никто не выбрасывал. Ещё чего!.. Они даже вошли в моду. Из них стали делать особые украшения – из «барочного жемчуга»…
(Но слово «брак» – некачественная, негодная продукция – происходит совсем от другого слова – от немецкого «брехен» – «ломать»!)
Вскоре слово «барокко» вошло в итальянский язык и стало означать «какой-то не такой», «странный». Ну, а когда в конце XVI– начале XVII века в Италии, Испании и повсюду в Европе стали появляться странные художники, рисующие странные картины, их стали называть как? Правильно, «барокко»!
Нам сегодня непросто понять, чем таким особенным отличаются «неправильные» картины эпохи барокко от «правильных» эпохи Возрождения. Но в то время люди сразу видели и чувствовали – «тут что-то не так»!
Чтобы нам было понятнее, возьмём самого необычного художника эпохи барокко – Эль Греко. (Эль Греко – это прозвище, в переводе с испанского «грек», на самом деле этого художника звали Доме́никос Теотоко́пулос, попробуй выговори!)
Посмотрите на его картины. Ну как? Что замечаете?
Эль Греко (1541–1614). «Святой апостол Иаков». «Иисус, несущий крест»
Какие-то они неправильные, правда? Изогнутые и вытянутые. А справа на заднем плане вообще непонятно что – то ли облака, то ли горы, то ли просто краска намазана… Трудно поверить, что это не современный художник. А ведь Эль Греко жил в XVI веке!
Может, он просто рисовать не умел? Ну, судите сами, умел ли он рисовать:
Эти картины, портрет Джулио Кловио и «Вознесение девы Марии», написаны на заказ. Хотите, чтобы было похоже, – получите! Просто Эль Греко был одним из первых художников, сказавших знаменитые слова «я так вижу»…
«Я так вижу» означает «я понимаю, что это выглядит совсем по-другому, но я чувствую что-то такое, что заставляет меня стремиться за пределы привычного для всех мира!».
Заканчивалось Средневековье, начиналось Новое время. Средневековый человек думал так: «Мир устроен по замыслу Бога, всё в мире происходит по божьей воле. Мне надо только уповать на Бога и соблюдать правила». А люди Нового времени почувствовали – человек волен менять правила!
Посмотрите, как изображают один и тот же библейский сюжет (борьбу Иакова с ангелом) средневековый художник и один из художников барокко Франц Фракен Младший. На первой картине Иаков с ангелом скорее обнимается или танцует. Ещё бы, ведь противиться воле божьей – это же страшно подумать! А на картине барокко они именно борются, причём человек (Иаков) настроен решительнее и, кажется, побеждает…
В то время люди действительно начали менять правила. Горожане-ремесленники уходили из-под власти феодалов; голландцы – из-под власти испанского короля; немцы и англичане – из-под власти римского папы. Колумб отважился переплыть океан – и в Америку, навстречу неизвестности, хлынули отчаянные переселенцы. В то время это было – как для нас отправиться заселять другую планету!
И главное – Коперник, Галилей, Ньютон, Паскаль совершали выдающиеся открытия, которым предстояло перевернуть представления человечества о мире. Обычные люди об этом мало что знали, но художники…
Художники это чувствовали!
Одним из узнаваемых и частых признаков живописи барокко является тёмный или даже чёрный фон, из которого будто лучом света выхвачена человеческая фигура.
Микеланджело да Караваджо (1571–1610). «Блаженство святого Франциска»
Так начали писать ещё художники позднего Возрождения (например, Тициан), но художники барокко подхватили эту идею с особым воодушевлением.
Человек выходит из тьмы окружающего мира! Человек – главный!
Позади него – чернота, вокруг – неизвестность, в которую ещё только предстоит проникнуть человеческой мысли, а сам он озарён светом.
Артемизия Джентилески (1593–1653). «Кающаяся Мария Магдалина»
В эпоху барокко люди ещё не знали понятий «прогресс» и «устремлённость в будущее», но уже чувствовали что-то подобное. «Тёмное прошлое» ещё держалось за них, но сами они были устремлены вперёд – к свету.
Одна из самых известных картин испанского мастера эпохи барокко Диего Веласкеса называется «Менины» (что значит «Служанки», подробно мы рассказывали о её истории здесь). На ней мы видим любимицу художника – инфанту (испанскую принцессу) Маргариту в окружении служанок, придворную карлицу, самого Веласкеса за работой, ещё каких-то людей… Но почему же Веласкес дал этой картине другое название – «Семья»? Кто тут семья?
Диего Веласкес (1599–1660). «Менины» («Семья»)
Вглядитесь – далеко сзади мы видим зеркало, в котором отражаются женщина и мужчина. Это не кто иные, как король Филипп IVи его жена, королева Марианна Австрийская, родители инфанты Маргариты. Вот почему «Семья»!
Надо же, король и королева на картине – самые незаметные, самые «неважные» люди! Вот какие неожиданные открытия можно совершить, вглядываясь в темноту позади художника…
В Средние века даже храмы и королевские дворцы и украшались довольно скромно. Но уже в эпоху Возрождения состоятельным людям захотелось «больше богатства». (Голландцы, как вы помните, не в счёт, об этом мы в прошлый раз рассказывали.)
А уж во времена барокко архитекторы и художники по интерьерам разгулялись вовсю! Пусть вас не обманывает скромный интерьер на картине «Менины» – это всего лишь мастерская художника. Интерьеры короля и королевы выглядели совсем иначе!
Один из залов королевского дворца в Мадриде. Интерьер в стиле барокко
Массивная позолоченная лепнина, резьба по дереву, прихотливые росписи поражали воображение людей сильнее, чем живопись, и постепенно под словом «барокко» стали понимать не новизну и необычность, не бурю чувств и устремлённость к свету, а именно это – избыточную роскошь, пресыщенность формой и цветом, «красоту красивую».
Немалую роль в этом сыграл голландец Рубенс. Вы помните, что голландские художники стремились к умеренности? А он (барокко же, всё «не так»!), наоборот, захлестнул зрителя буйством красок. И люди у него на картинах все как один такие… упитанные.
В общем, голландское барокко – оно тоже странное!
Питер Пауль Рубенс (1577–1640). «Венчание святой Екатерины»
Это была статья из детского журнала «Лучик». В прошлый раз мы говорили о том, как и почему возникла живопись «голландцев». В следущей статье поговорим об искусстве рококо.
P.S.
Уважаемые друзья! После заметки о "Чёрном квадрате" нас упрекнули в том, что мы ни словом не помянули супрематизм (и теорию "дополнительного элемента", да?), и вообще, норовим свести искусство либо к социологии, либо к технологии (как в заметке про импрессионизм).
Грешны! Каемся! Но: это заметки для детского журнала. Наша цель – не энциклопедическая справка (мозгов столько нет), а просто – оставить след в памяти ребёнка, чтобы он, услыхав впоследствии то или иное "непонятное слово", не зевнул и не прошёл мимо, а сказал: "Постойте-постойте! А ведь мне это знакомо!! И сделал следующий шаг...
Бесплатно скачать и полистать номера журнала "Лучик" можно здесь: https://www.lychik-school.ru/archive/
Выписать журнал с доставкой в почтовый ящик – на сайте Почты России
Канал "Лучика" в "Телеграм": https://t.me/luchik_magazine
Страница "Лучика" "ВКонтакте": https://vk.com/lychik_magazine
Автор: Сергей Сараев.
Главной целью данной статьи является предоставление общих представлений о развитии и становлении искусства, ибо в наше время царствует невежество и безразличие к знанию, а разбираться хотя бы в основах искусства, на мой взгляд, должен каждый человек.
Преимущественно я проводил анализ пространственных видов* европейского искусства, и в статье пойдет речь об искусстве, как таковом, и о его формах.
*Пространственные виды искусства - это виды таких произведений, в которых художественные образы существуют в пространстве, но не развиваются во времени, в отличие от временных (литература, музыка) и пространственно- временных (все театральные виды искусства).
Прежде чем начнётся повествование, я хочу дать определение искусства, от которого сам исхожу: Искусство - это отражение действительности через художественные формы (в самом широком смысле). И чем более полно и содержательно отражается жизнь, тем более искусство носит название подлинного.
Всё в мире представлено закону единства и противоположности, и искусство - это не исключение. Его развитие в грубом, упрощенном виде можно представить следующим образом:
Упрощенная схема развития искусства.
Данная схема представляет только основные стили и игнорирует прочие, более мелкие стилистические ответвления.
Слева представлена ветвь прогрессивная: Античность, Возрождение, Классицизм, Реализм и Соц. Реализм;
Справа же - регрессивная ветвь: Средневековье, Барокко, Романтизм, Модернизм и Постмодернизм.
Почему прогрессивная и регрессивная ветви?
С тех же успехом их можно было назвать рациональной и иррациональной, что сути не поменяет, ведь с главным критерием - отражением действительности - левая ветвь справляется куда лучше, чем правая.
Но не нужно воспринимать данное разделение как деление на хорошее и плохое, так как стили закономерно развиваются и переходят в новые, более совершенные и первостепенно зависят от социально-экономического уклада общества.
Античность.
Основы античного искусства развивались в обществах Древних Греции и Рима. Античное наследие - это фундамент и идеал европейской науки, философии и искусства, его характерные черты это: строгая гармония, изящество и точность золотого сечения и величественный пафос.
Венера Милосская (130 - 100 гг. до н.э.)
Средневековье.
Спустя тысячелетие наступают мрачные, тёмные века средневековья. Основные черты искусства этого периода это: аскетичная стилизация и формальный подход в отображении реальности, преобладание мистического над рациональным.
Икона Святой Троицы, Андрей Рублёв, первая треть 15 в.
Ренессанс.
После средневековья всего несколько веков цветет Ренессанс, возрождая Античные ценности. Основные черты искусства данной эпохи: человек находится в центре внимания, рациональное прежде интуитивного, возвращение античных строгости и гармонии.
Мона Лиза, Леонардо да Винчи.
Барокко.
Со временем Возрождение усложняется и переходит в барокко, основные черты которого: пышная и динамичная композиция, природная криволинейность, преобладание чувств над разумом.
Охота на калидонского вепря, Питер Пауль Рубенс.
Классицизм.
Страстная пышность барокко закономерно сменяется математической строгостью классицизма, характерные черты которого: строгость и математическая точность во всём, античные образы и стилистика.
Апполон и нимфы, Франсуа Жирардон.
Романтизм.
Со временем логика и строгость наскучили и искусство снова поддалось чувствам, пришла пора страстных романтиков. Характерные черты романтизма: динамичные композиции, страстные образы, культ природных страстей и мистики.
Свобода, ведущая народ. Эжен Делакруа.
Реализм.
Затем творческая мысль отказалась от всех возможных культов и стилизаций, потому что доросла до восприятия и отображения окружающей действительности в её подлинном естестве. Характерные черты реализма: максимальное отображение жизни средствами искусства, глубочайшее погружение в человека.
Бурлаки на Волге, Илья Репин, 1870 - 1873 гг.
Модернизм.
Изучив глубины содержания, художники начали искать и покорять вершины формы. Характерные черты модернизма: отказ от классических примеров искусства, многообразие форм выражения, преобладание формы над содержанием.
Социалистический реализм.
Но человек не может долго оставаться без внимания, поэтому вместе со становлением и стройкой первой социалистической страны рождается новый, социалистический реализм, который отражал всю могучесть, силу и страсть коммунистического развития и борьбы. Основные черты соц. реализма: в центре внимания человек, гармония композиции, античная стилистика.
Рабочий и колхозница.
Постмодернизм.
Теперь же технический прогресс наступил и подавил громадной, цифровой формой всё живое, человеческое содержание. Характерные черты постмодернизма: фрагментарность, смешение, формацентризм, отсутствие манифеста, преимущественно бессмысленный, беспощадно пустой и безразличный к человеку.
Это большая часть того, что окружает нас с середины 20 века. Всё некогда дорогое, подлинное и элитарное стало доступным, обесценилось и выродилось в декоративно прикладное искусство.
Enrico Natali - Mírame y sé color.
Казалось бы, постмодернизм должен выродиться в постренессанс или стереореализм с новым, обновленным, космическим содержанием (всем тем, что уже давно забыто), но этого почему-то не происходит.
Естественно, что самый прогрессивный и революционный стиль на данный момент - это соц. реализм: в его центре внимания всегда находится человек, который изменяет, преобразовывает окружающий мир. Человека возвышают, изображая в триумфальном и мажорном настроении.
Искусство, чтобы снова стать таковым, должно попасть в руки основы общества - пролетариата. Пока же властвует буржуазия, а вместе с ней её идеология и монополия на все сферы жизни - подлинного искусства мы не увидим, ведь художник материально зависит от господствующего класса, от доминирующих общественных потребностей, которые навязываются, создаются и формируются искусственно или естественно существующим жизненным укладом.
В дальнейших своих статьях я планирую более подробно изучить и разобрать:
1) Художественные течения и художников;
2) То, как общественная мысль и идеи влияли на искусство и массовую культуру;
3) Образцы искусства, на которые стоит ровняться и вдохновляться.
Мерлезонский балет (именно так правильно – через "е"), – один из ключевых эпизодов романа «Три мушкетёра». Однако одну деталь автор романа посчитал как бы малозначительной – он не назвал читателям имя композитора, который написал музыку к «Мерлезонскому балету». А, между прочим, это очень интересно!
Мерелезонский балет в фильме...
...а так выглядели Людовик XIII и Анна Австрийская в действительности
...Интересно, потому что музыку к «любимому балету короля Франции Людовика XIII» написал лично сам король Франции Людовик XIII – от первой и до последней ноты!
Живой интерес к музыке юный принц проявил ещё в раннем возрасте – он начал учиться играть на лютне в возрасте трёх лет. В возрасте семи лет Людовик начал учиться играть также на клавесине, и владел этим инструментом очень хорошо – хотя лютня на всю жизнь осталась его любимым инструментом, «королевой музыки».
Игра на лютне (фрагмент картины Караваджо)
Мальчик также очень любил танцевать, и много свободного времени проводил за сочинением музыки и танцевальных фигур. Помимо лютни и клавесина король играл на охотничьем рожке (предке современного гобоя) и регулярно пел в хоре.
Как композитор Людовик XIII сочинил довольно много пьес, однако далеко не все они дошли до нас. Лучшей музыкальной работой короля по праву считается «Мерлезонский балет». Король не только сочинил музыку, он же придумал сюжет балета, он же придумал все танцевальные номера, он же нарисовал (!) эскизы всех декораций и костюмов.
Давайте же послушаем эту музыку. Итак, «Мерлезонский балет» (начало с 1:35):
Кстати, согласно роману Дюма «Мерлезонский балет» был поставлен в Парижской ратуше, причём до начала осады Ла-Рошели (1627 год). Однако настоящий «Мерлезонский балет» был поставлен в замке Шантильи, недалеко от Парижа, в 1635 году, то есть существенно позже событий романа «Три мушкетёра».
* * *
Это была стать из журнала "Лучик". Бесплатно скачать и полистать номера журнала можно здесь: https://lychik-school.ru/archive/
"Лучик" в "Телеграм": https://t.me/luchik_magazine
Их есть у нас! Красивая карта, целых три уровня и много жителей, которых надо осчастливить быстрым интернетом. Для этого придется немножко подумать, но оно того стоит: ведь тем, кто дойдет до конца, выдадим красивую награду в профиль!