Звукорежиссура

Несмотря на большие фонотеки, звуки в кино производят очень странными предметами. Веник и тряпка - лучшие друзья звукооформителя.

Как бы это ни было странно, одной из главных составляющих кино является звук. Не просто мелодии или песни, которые сопровождают героев в наиболее драматические моменты истории, а именно что звук — любое движение, любой вздох или выкрик. Помимо работы актеров, которые озвучивают свои собственные или чужие роли, важным являются труд звукооформителей, как их называют у нас, или foley artists, как их называют у них — люди ответственные за то, чтобы все в фильме звучало правдоподобно. Только, как это часто бывает, для правдивого звука они используют совсем не то, что озвучивают.

На съемках фильма, практически всегда есть человек, который отвечает за создание натуральных звуковых эффектов. Их он записывает в студии, предварительно определив, что нужно воспроизвести.Раньше, за отсутствием средств, некоторым фильмам звук на площадке не записывали вовсе, а полностью воспроизводили в студии. Экзотический термин «foley artist» возник благодаря Джэку Фоли, пионеру звукового кино. Он начинал как сценарист немых фильмов, но потом внес большой вклад в переход к звуковому кино. Он придумал большинство техник, применяемых сегодня в озвучении, и приложил свои бесценные уши к многим фильмам, самым знаменитым из которых является «Спартак» Кубрика.

Своей знаменитостью Джэк Фоли в первую очередь обязан технологическим недостаткам съемочного процесса: звук во время съемок на натурах часто получается невыразительным. Чтобы понять, как это все работает сегодня, мы расспросили звукооформителя Петра Бордачева.

«Еще давно в кино поняли, что звук, который записывается во время съемки, получается очень блеклым и заглушается лишними шумами. Полученную картинку приходится переозвучивать. Раньше это делали с помощью живых звуков, но теперь, благодаря развитию качественных фонотек в живую озвучивают все меньше и меньше. Например, в США услуга foley artist стоит довольно дорого. Поэтому сейчас все больше используют библиотеки звуков. Однако такие штуки, как шаги или, например, шуршание одежды, все же удобнее записывать по старинке. Шаги – это вообще наша основная задача. Так как они попадаются довольно часто в фильмах и сериалах, намного легче записать их, не подстраивая звук из фонотеки, а с одного или двух дублей все сделать в живую».

Вот некоторые примеры того, как получаются звуки:

- Шаги по снегу: руками мнется крахмал;

- Огонь: веником проводят (шоркают) по тряпке;

- Сломанная шея: эспандером быстро сжимают лист капусты;

- Цокот копыт: кокосом бьют об кокос;

- Морской прибой: в ящик насыпают песок и поворачивают его (ящик) под разными углами;

- Шаги по траве: шагают по магнитной ленте;

- Столкновение машин: насыпают с железный ящик гайки и ударяют по нему.

«Установка на завершение треков раз и навсегда изменила мой подход к созданию музыки»

Диджей и продюсер из Лос-Анджелеса – Джастин Джей успел наделать немало шума со своими релизами на Dirtybird, Southern Fried Records, а также Бостонском Soul Clap Records и войти в близкий круг таких «гигантов мысли», как Клод вон Строк и Пит Тонг. Настало время для второго альбома. Home вышел на собственном лейбле Джастина – Fantastic Voyage, наглядно продемонстрировав эволюцию идей и звучания музыканта. Мы попросили Джастина поделиться с нами мыслями на счет тех вещей, которые он «выстрадал» на пути своего становления.

1. Получайте удовольствие (и не будьте слишком критичны)
Время от времени процесс создания музыки – это стресс. Зачастую эти эмоции имеют в своем основании страх, неуверенность в себе, всяческое давление изнутри и снаружи и т. д. «Что, если никто не оценит? Что, если это не настолько хорошо?»

Очень важно выключать эти негативные эмоции во время написания музыки. По себе я могу сказать, что если не фокусироваться на мыслях типа «насколько хороша эта идея?» или «насколько она может понравиться людям?», как правило, получаются самые крутые треки. Главное – старайтесь акцентировать внимание на своих эмоциях и наслаждайтесь процессом. Старайтесь ловить момент, ведь если я создаю новые звуки или работаю с ритмикой будучи раскрепощенным и непосредственным, то и результат будет «открытым», работа выйдет без какого-либо намека на давление. В такие моменты рождаются самые интересные идеи.

Конечно, не всегда бывает так просто, однако, в любом случае старайтесь находить радость в процессе музицирования, поскольку это очень важная штука для развития и роста как музыканта.

2. Вкладывайте время и заканчивайте треки
На пути к своему первому релизу на Dirtybird я многое осознал. Я старался закончить настолько много треков (и разослать их по лейблам), насколько мог! Причем я просто искал их демо имейлы в открытом доступе в интернете. Я, конечно, понимал, что вряд ли кто-нибудь из них ответит, но был наверняка уверен в одном – каждая законченная песня делает меня лучше в качестве продюсера, неважно, подписана она или нет.

Установка на завершение трека раз и навсегда изменила мой подход к созданию музыки. Вообще, любому музыканту приходится иметь дело с совершенно разными этапами во время работы над треком. Во-первых – это работа над звуками и мелодиями, во-вторых – композиционно-структурная и аранжировочная части, и, в-третьих – сведение и мастеринг. Каждая «демка», которую я закончил, помогала оттачивать эти навыки. Чем больше делаешь, тем лучше получается. Довольно просто. Будучи «на ты» с композицией и аранжировкой, а также имея хороший навык сведения, довольно просто вывести свои идеи на другой уровень.

Даже после релиза на Dirtybird я еще десять месяцев корпел и прокачивал свои «демки», прежде чем случился очередной прорыв. Я убежден, что чем лучше развиты ваши навыки, тем легче быть стабильным в плане продакшена. Даже если я заканчиваю не очень удачный трек, я все равно знаю – мой «скилл» подрос и не стоит на месте.

3. Пробуйте себя в новых направлениях, даже если сразу ничего не получается
Пробовать что-то новое в плане продакшена – это всегда борьба. Зачастую, отступить от привычных для себя правил – довольно непростая задача. Всегда можно сказать себе «я не настолько хорош в этом стиле/жанре» и продолжить пребывание в своей зоне комфорта. Однако, если попытаться оставить все эти преждевременные суждения, можно развить в себе все необходимые навыки и в конечном счете найти свой собственный голос в том типе музыки, который вы ранее считали недоступным.

Я глубоко убежден в силе такого подхода. Он, по-моему, позволяет раскрыть истинный творческий потенциал и создать что-то уникальное, поскольку приходится смешивать совершенно разные идеи и приемы, пропуская новые жанры сквозь призму вашего восприятия.

Никто не говорит, что это получится сходу. Я, например, всегда хотел попробовать себя в качестве сонграйтера и вокалиста. То, что получалось поначалу, конечно, смешно сейчас слушать. Но я наслаждался процессом и продолжал петь. Со временем стали происходить сдвиги и становилось все лучше и лучше.

4. Коллаборации
Коллаборации дают вам возможность создавать музыку, которую своими силами вы бы вряд ли сделали, а еще, по секрету, это отличная возможность развиваться как музыканту. Столько всего нового узнаешь в ходе совместной работы! Особенно, если работаешь с людьми из совершенно других жанров.

Мой интерес к сонграйтингу по-настоящему вырос во время работы с моим «хоуми» – Джошем Тэйлором. Наблюдая за процессом его работы и тем, как он справляется с различного рода трудностями, я приобрел тот каркас знаний, который по сей день помогает мне писать песни.

Коллаборация с Джошем научила меня и многим техническим вещам – я узнал новые, ранее незнакомые мне приемы записи и обработки вокала, техники работы с аранжировкой и композицией. Мы написали кучу музыки, которая одновременно вписывается в мой мир хаус музыки и в то же время выталкивает меня из зоны комфорта, но в хорошем ключе, помогая мне расти в качестве музыканта.

5. Оставайтесь верны себе и прислушивайтесь к интуиции. В конечном счете музыка – это о самовыражении
Ни в коем случае не принижайте и не сдерживайте свои творческие и артистические амбиции. В голову могут закрадываться мысли о том, что вы делаете музыку в недостаточно популярном жанре, недостаточно «прибыльную», или не подходящую вашему «бренду», не соответствующую ожиданиям и т. д. И если вы начнете потакать подобным мыслям в ущерб творчеству – вы совершите большую ошибку. В любом случае вы обязаны сделать трек таким, каким вы его задумывали, даже если у вас имеются подобные сомнения. Никто не может сказать, сработает это или нет, но в любом случае – лучше получать удовольствие от процесса, нежели заставлять себя делать то, что не получает должного отклика в вашем сердце.

Эта статья посвящена рассмотрению действенных методов параллельной компрессии вокала, которые применяет в своей практике известный звукорежиссёр Майкл Брауэр. В ней также приведены советы по их воспроизведению в программе Cubase.

В ноябрьском номере «Sound on Sound» напечатано интервью с Майклом Брауэром, звукорежиссером, занимавшимся сведением записей таких звезд, как Rolling Stones, Пол Маккартни, Aerosmith и Боб Дилан.

Майкл востребован и сегодня, он работает с Джеймсом Моррисоном и группой Coldplay. Я старался узнать как можно больше информации о его технике обработки вокала, так как на меня произвел неизгладимое впечатление звук, который он получил в первом альбоме Джеймса Моррисона под названием Undiscovered.

Выяснилось, что Брауэр очень необычно подходит к компрессии вокала, он одновременно использует пять разных компрессоров, а потом смешивает сигнал. Тут возникает вопрос, почему бы не упростить процесс вставкой напрямую компрессора в вокальный трек?

По словам Брауэра, первая причина заключается в том, что при использовании пяти разных моделей компрессоров каждый из них по-разному меняет тембр вокала и привносит в него свои побочные эффекты. Смешивая эти сигналы, вы можете добиться очень яркого и убедительного тембра.

При использовании этого метода в дальнейшем я выявил еще одно его важное преимущество, заключающееся в серьёзном сжатии динамического диапазона без жесткого ограничения пиков в случае применения параллельной компрессии.

Параллельная компрессия вокала.

В Cubase предусмотрена возможность разных способов параллельной установки нескольких компрессоров. Например, самый простой способ — продублировать аудио трек и в каждый из них добавить по компрессору. Однако процесс может стать довольно не комфортным, если вам захочется в дальнейшем еще раз обработать сигнал.

Удобнее посылать трек на разные каналы, включая в них компрессоры, тем более, если вы намерены обрабатывать сигнал с помощью дилеев и ревербераторов. Может быть, вам захочется прописать каждый компрессор на отдельный FX Channel Track — в таком случае все эффекты посыла будут находиться в одном месте на экране.

Стоит учесть, что в старых версиях посыла вы можете столкнуться с проблемой ограниченных возможностей маршрутизации сигнала, другими словами, сбор всех сигналов с параллельных FX Channel треков на одну шину будет невозможным. Поэтому вам нужно будет сделать для каждого компрессора отдельный Group Channel Track .

Итак, в окне проекта создается 5 Group Channel треков. Для связки их с первоначальным аудио сигналом выбирается вокальная дорожка и открывается секция «Sends» в инспекторе трека.

При нажатии мышью на любой слот появляется выпадающее меню, содержащее список только что созданных Group Channel треков. Каждый из них устанавливается в отдельный слот. Следует проверить, все ли слоты активированы и на каждом ли из них установлена нулевая громкость. Целесообразно установить максимальную громкость именно здесь, а затем заниматься регулировкой уровней непосредственно в микшере.

Кроме того, установите все «sends» в режим «post-fader», о причинах этого я расскажу попозже.

Теперь от ведущего вокала должна идти параллельная передача сигнала каждому Group Channel треку на одинаковом уровне, и при смене выхода главного трека на No Bus необработанный сигнал пропадет из микса.

И в завершение создайте еще один Group Channel Track, на который назначьте выходы остальных Group Channel.

Выбор компрессоров.

Итак, маршрутизация сигнала завершена, теперь можно заняться выбором компрессоров. Проблема заключается в примерно одинаковом звучании всех компрессоров, встроенных в Cubase, и зацикливание только на них погубит суть нашего эксперимента. А суть в том, чтобы, подобрав компрессоры с разным звучанием, выиграть на этом контрасте.

Многие музыканты устанавливают на своих компьютерах огромное количество сторонних компрессоров, большинство из которых можно бесплатно скачать в интернете, так что, я думаю, вы не столкнетесь с ограничениями в выборе. Все, что потребуется от вас, это сравнить их звучания и выбрать оптимальную, на ваш взгляд, комбинацию.

Сначала бывает трудно различить звучание нескольких компрессоров, и для понимания специфики работы каждого стоит активизировать их на полную мощность, после чего побочные эффекты, которые являются целью нашего эксперимента, станут более заметными.

Однако все эти кручения ручек приборов будут бессмысленными без вашего понимания того, что вы хотите получить в результате этой обработки.

Итак, чему нужно уделить внимание в первую очередь? Включив плагин, послушайте, как изменяются ваши ощущения от прослушивания при усилении и сжатии сигнала. Некоторые компрессоры делают звучание вокала более оживленным, в то время как другие, наоборот, выравнивают его и заставляют звучать более сдержанно.

Некоторые компрессоры искажают звук, и как раз эти побочные эффекты обычно являются их основным плюсом. Однако в конечном итоге все зависит от сводимой вами музыки.

Для этого эксперимента я выбрал пять плагинов, доступных для бесплатного скачивания, так что вы сможете легко воспроизвести мои установки и в будущем применять их в качестве отправной точки в своих начинаниях.

Первые два компрессора обеспечивают сравнительно чистое звучание. Речь идет о ярком и естественном Cubase Vintage Compressor и чуть более явном Stillwell Audio’s Dbx 160-inspired Major Tom.

Каждый из трех остальных выдает нам собственное искаженное звучание. У Bootsy’s Density звук воздушный, богатый на высокие частоты. Buzzroom’s Grancomp обеспечивает получение слегка острого, трубочного призвука. Antress Modern’s VHME выдает тяжеловесное звучание. При желании вы можете подобрать другие плагины, но все-таки постарайтесь придерживаться такой же «вкусовой комбинации».

После подключения всех компрессоров можно заняться микшированием. Здесь нет каких-то строгих правил, и вам позволительно начать работу на интуитивном уровне. Единственная рекомендация, которую я считаю довольно полезной, — время от времени нажимайте кнопку «Mute» для заглушки того или иного канала. Таким образом, вы сможете оценить участие каждого из них в достижении общего результата.

Нельзя забывать, что общий уровень громкости вокала зависит от любых тональных изменений, так что рекомендуется время от времени подстраивать громкость на мастер-шине вокала.

В завершение

Если вы уже успешно поэкспериментировали со всем изложенным выше, позволю себе поделиться еще несколькими идеями для продолжения ваших экспериментов.

Во-первых, можно создать еще один Group Channel Track, ориентируясь как бы на шестой компрессор, но на самом деле не вставлять его туда. Используйте его для добавления в микс некомпрессированного вокала, параллельно с остальными треками. Таким образом, вы сделает звук более живым, если вдруг до этого вы переборщили с компрессией.

Для украшения вокала эффектами наподобие реверберации и дилэя самое лучшее, что вы можете сделать, это вставить их в секцию «Sends» на мастер-шине вокала в режиме «post-fader».

Тем не менее, не пренебрегайте возможностью вставить их в канал, в котором содержится оригинал вокального трека. Такой метод позволит вам добиться более слабого эффекта в местах с тихим звучанием вокала и наоборот, что также сделает микс более живым.

И, наконец, помните об автоматизации, без которой вы не сможете получить желанное коммерческое звучание. Подумайте, какой трек выбрать для выстраивания общей автоматизации громкости.

Если делать это на первоначальном аудиоканале, автоматизация будет оказывать сильное влияние на работу компрессоров, тогда как изменение уровня на мастер-шине скажется только на компрессированном сигнале.

Моя практика показала, что более музыкальное звучание выдает первый метод, и выбирать мастер-шину стоит лишь в случае проблем с самой компрессией.

Автор: Майк Сеньор | Перевод: Андрей Скидан